Título: ”Granos de uva en el paladar”
Autor: Susana Hornos y Zaida Rico
Género / duración: Drama – 70 minutos

Personajes: Seis femeninos

Website  http://granosdeuvaenelpaladar.blogspot.com/

Video http://vimeo.com/channels/granosdeuvaenelpaladar

 

Jueves 2130 hs hs – Teatro C.C. COOPERACION, Av. Corrientes 1543,

Plateas $60, Tel 5077-8000 Buenos Aires

Todos los jueves a las 2130 horas

“Granos de uva en el paladar”

España 1932-2012. Seis actrices españolas recrean ese largo periodo de cambio y coraje a través de aquellos personajes que nunca aparecerán en los libros de Historia. Este es nuestro homenaje a su lucha, pero sobre todo a nuestro entusiasmo por la vida.

Elenco:

ARANTZA ALONSO

LUCÍA ANDREOTTA

MARTA CUENCA

CLARA DÍAZ

SAUCE ENA

RUTH PALLEJA

Iluminación: MARIANO ARRIGONI

Escenografía: ALEJANDRO MATEO

Caracterización y vestuario: NÉSTOR BURGOS

Banda Sonora: GONZALO MORALES

Coreografía “Paco y Rosa”: ANTONIO LUPPI

Producción ejecutiva: COOPERATIVA “GRANOS DE UVA EN EL PALADAR”

Productor ejecutivo: PABLO SILVA

Fotografía: AKIRA PATIÑO

Diseño gráfico: SERGIO CALVO

Dramaturgia y dirección:

SUSANA HORNOS y ZAIDA RICO

Jueves  a las 2130hs.

Localidades: $ 60.-

Duración: 70 minutos

Centro Cultural de la Cooperación – Av. Corrientes 1543 Buenos Aires

WEB: http://granosdeuvaenelpaladar.blogspot.com

VIMEO: http://vimeo.com/channels/granosdeuvaenelpaladar

* Miembros de AEBA [Actores Españoles en Buenos Aires]: Mención Especial Premios María Guerreo 2010

* Este espectáculo cuenta con el subsidio del Fondo Nacional de las Artes

* Este espectáculo está auspiciado por: la Oficina Cultural de la Embajada de España; la Secretaría de Derechos Humanos del Ministerio de Justicia y Derechos Humanos de la Nación; la FEDESPA, Federación de Sociedades Españolas.

*Este espectáculo cuenta con el apoyo de: Abuelas de Plaza de Mayo, Madres de Plaza de Mayo – Línea fundadora; CCEBA – Centro Cultural de España en Buenos Aires – y AEBA – Actores Españoles en Buenos Aires -

Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate – 4857-2806 / 15-5808-1039
prensa@duchezarate.com.ar / www.duchezarate.com.ar

Susana Hornos

(La Rioja, España.1972)

Actriz, escritora y directora

            Actriz licenciada en la Escuela de Arte Dramático de Zaragoza, complementa su formación con John Strasberg, Bernard Hiller, Assumpta Serna, Mariano Barroso, Helena Pimenta, Augusto Fernándes entre otros.

            En España, comenzó en la compañía estable Teatro de La Estación, durante tres años trabajo en numerosos montajes de teatro clásico y contemporáneo. En Madrid trabaja bajo la dirección de  R. Ballesteros y Cristina Marsillach y recorre el territorio español. En cine trabajó a las ordenes de Federico Luppi en la película Pasos, con guión de la propia actriz (revelación en el Festival de Toulouse ).

            En Argentina en cine actuó en Verano Amargo, de J. C. Desanzo, La patria equivocada de C. Galletini,  y La pasión de Verónica Videla de C.D.Pellegrini. En teatro en Buenos Aires estrenó en el 2010 La casa de Bernarda Alba, con dirección de Gonzalo de Otaola, y Don Juan, dirigido por Yoska Lázaro.

            Dirigió a Mireia Gubianas y Zaida Rico en “Cómo si fuera esta noche” y recientemente “Ana y el Once de Marzo”, ambos dentro del ciclo Scriptum Est. Actualmente ensaya “La noche del Ángel” dirigida por Federico Luppi.

Zaida Rico

(Madrid, España.1983)

Actriz, dramaturga y directora.

            Actriz licenciada en Arte Dramático por la Escuela Superior de Arte Dramático de Valencia. Complementa su formación actoral con Emiliano Bronzino del Piccolo Teatro di Milan; Arístides Vargas; Raúl Serrano; Assumpta Serna; Juri Krasovskij de la Academia de Arte Teatral de San Petersburgo; Jorge Sánchez y Ricardo Bartís.

            Recibe la Beca de Casa de América de estudios de dramaturgia y dirección con Rodrigo García, Sergi Belbel, Fernando Rubio, Santiago García y Benjamin Galemiri. Además complementa su formación en dramaturgia con José Sanchis Sinisterra.

            Diplomada en Ballet Clásico perfecciona diversas técnicas de danza contemporánea con Marta Carrasco, Butoh con Hisako Horikawa y entrenamiento corporal con Viviana Iasparra.

            En España trabaja como actriz bajo la dirección de Cruz Hernández en “La traición en la amistad” y “La sangre de Antígona”; con Ximo Flores en “Parpadeos”; con Yoana López en “Container 26”; con Jorge Sánchez en “Mierdra! Ubu Rey”.

            En Argentina trabaja como actriz en “De mí” dirigida por Juan Coulasso y Daniela Cuculiansky. Desde 201o forma parte de AEBA – Actores Españoles en Buenos Aires- y, además de ser parte del equipo de gestión y dirección, realiza diferentes trabajos como actriz: “La casa de Bernarda Alba” por Gonzalo de Otaola; “Don Juan Tenorio” por José Gamo; “Como si fuera esta noche” y “Ana el once de marzo” con Susana Hornos. Su último trabajo como actriz corre a cargo de Dora Milea en “Mujeres de ambas clases”.

            Su primera obra como co-dramaturga y co-directora, junto a Susana Hornos, es “Granos de uva en el paladar”.

[vimeo:http://vimeo.com/33326235]

Título: “EN TREN DE SOÑAR”
Autor:Eduardo Rovner
Género / duración: Tragicomedia 80 minutos
Personajes: Dos personajes masculinos y un femenino.
Dirección: Corina Fiorillo /
Website
Entradas con descuento en
2012 / domingos 19 hs / TEATRO- SHA – Sarmiento 2255 Buenos Aires

Desde el domingo 22 de abril en el Teatro SHA
una nueva obra de Eduardo Rovner, autor de Volvió una noche y tantas otras obras exitosas del teatro argentino, y la dirección de Corina Fiorillo, ganadora del Premio ACE 2011 a las Mejor Dirección de teatro off por Kalvkott, carne de ternera, distinción que también ganó Alejo Mango en el rubro Mejor Actor de teatro off.

EN TREN DE SOÑAR
De Eduardo Rovner

Con
Luis Gasloli – Alejo Mango – Violeta Zorrilla

Dirección
Corina Fiorillo

Dos personajes del sueño de un soñador son convocados para viajar a uno de los sueños de este sujeto. Uno de ellos es un sosías de Giácommo Casanova y el otro de Louis Armstrong.
Están en un andén por donde pasa el tren que los llevará a ese sueño.
Cada uno desea ir o no y de esta manera, mientras el tren no pasa, se van sucediendo una serie de situaciones en las que se enlazan la música, los poemas, mujeres y situaciones de un universo onírico disparatado, sensible y lleno de la atmósfera de la creación misma.
La obra intenta indagar en la independencia de los personajes en los procesos creativos, tanto como en los sueños, y los intentos inútiles de los creadores/soñadores de dominarlos.

Diseño de escenografía y realización: Julieta Risso
Diseño de vestuario: Julieta Risso y Mariana Perez Cigoj
Realización de vestuario: Elizabeth Caneto, Maria Belen Dominguez, Belen Guimil y Mariana P Cigoj Diseños
Maquillaje: Marcela Aranda
Iluminación y fotos: Soledad Ianni
Música original: Rony Kesselman
Coreografías y entrenamiento corporal en escena: Mecha Fernandez
Entrenamiento de trompeta: Rolando Vismara
Prensa: Duche&Zárate
Diseño gráfico. Jenny Canales y Rocio Villacorta (Grafi-k Comunicación y Diseño)
Asistente de dirección: Ana Tollo
Producción ejecutiva: Pablo Silva

Funciones: Domingos a las 19 horas
Localidades: $ 60.-
Las entradas pueden adquirirse en la boletería del teatro en efectivo o con tarjetas de crédito. También llamando a PLATEANET 5236-3000 – www.plateanet.com
Horario de atención: Lu a Sa 11 a 21hs // Dom 14 a 20hs
Teatro SHA – Sarmiento 2255 / 4953-2914

Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate – 4857-2806 / 15-5808-1039
prensa@duchezarate.com.ar / www.duchezarate.com.ar
Seguinos en Twitter: @duchezarate

Eduardo Rovner
Autor y director teatral. Varias de sus obras fueron galardonadas con el Premio Casa de las Américas, Primero y Segundo Premio Nacional de Dramaturgia, Premio Argentores en cuatro oportunidades, Premio ACE, Teatro XXI, Florencio de Uruguay, Municipal de Buenos Aires, Estrella de Mar, premios ACE y HOLA de Nueva Cork, María Casares de España, UTI de Costa Rica. Es autor de alrededor de cuarenta obras, representadas en diferentes países, como “Volvió una noche”, “Almas gemelas”, “Cuarteto”, “Compañía”, “Lejana tierra mía”, “Teodoro y la luna”, “Concierto de aniversario” “Sueños de náufrago”, “La mosca blanca”, “Y el mundo vendrá”, “La sombra de Federico”, “Don Arturo Illia”, “Los Velázquez”, “Sócrates, el encantador de almas”, “Te voy a matar, mamá” y. Muchas de ellas fueron representadas, además de en nuestro país, en otros como España, Finlandia, Rep. Checa, Eslovaquia, Israel, USA, Australia, México, Cuba, Costa Rica, Puerto Rico, Colombia, Brasil, Paraguay, Uruguay. Las mismas están publicadas en cinco tomos por Editorial De la Flor, además de haber sido impresas por diversas Editoriales y Revistas internacionales. Este año serán estrenadas “En tren de soñar”, “Otras almas gemelas, “Madre e hijo” y están en proyecto, entre otras, “El hombre lobo”, “El sueño de Ulises” (para ballet y títeres) y “Noche de ronda”.
Fue Director General y Artístico del Teatro Municipal General San Martín, Director del Plan Estratégico de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, integrante del MATe (Movimiento de apoyo al Teatro), Presidente de Fundart (Fundación para el apoyo del arte), Vicepresidente de la Fundación “Carlos Somigliana” que dirige el Teatro del Pueblo, y participó, representando al teatro, del Consejo de Cultura de la Nación.
Director de la Editorial Emergentes, fue vicepresidente de 17 Congresos Internacionales de Teatro Iberoamericano y Argentino.
Fue Profesor Titular de las materias “Taller de escritura dramática” y “Creatividad” en la Escuela Nacional de Arte Dramático y de la materia “Dramaturgia” en la Maestría en Teatro Argentino y Latinoamericano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, desarrolla hoy una intensa actividad realizando talleres y seminarios en Universidades de diferentes países.

Corina Fiorillo
Directora Teatral y Docente- Ha sido Coordinadora. Académica de la Carrera de Arte Dramático de la Univ.del Salvador y supervisora de montaje de la Escuela Municipal de Teatro de Olavaria.
Sus trabajos han sido vistos en diferentes países y en numerosos festivales internacionales. Ha dictado talleres en diferentes países y hace ya varios años se dedica a la actividad docente en forma privada.
Se encuentran entre sus últimos montajes “El fruto” de Patricia Suárez, “Lo que quedó” de Patricia Suárez y Adriana Tursi, “Big Bang” de Carlos Ares, “Desdichado deleite del destino” de Roberto Perinelli, “Kalvkott, carne de ternera” de Silvina Chague y “Nunca será igual con otro” de Carlos Ares en el CCSM.
Ha recibido por sus espectáculos varias distinciones, entre ellas dos nominaciones como mejor dirección de teatro alternativo Premios ACE 2008 y Premios Ace 2009 – (“Desdichado deleite del destino” y “Big Bang”)
Su obra “Desdichado deleite del destino” obtuvo 5 nominaciones a los premios ACE (Mejor obra, Mejor Dirección, Mejor Espectáculo, Mejores actuaciones masculinas de espectáculo Alternativo)
Por “Kalvkott, carne de ternera” ganó su primer Premio ACE en 2011 como Mejor dirección de espectáculo off. La obra además estuvo nominada como Mejor obra argentina, en dos oportunidades para Mejor actor off (ganó Alejo Mango) y como Mejor actriz off.
En 2011 también estrenó “Un hombre amable entró a orinar” de Roberto Perinelli obra que ganó el Premio Hugo 2011 a la Mejor Intérprete femenino en musical off; y la obra “Negra noche del alba” de Patricia Suárez.
Actualmente tiene en cartel la obra “Azul ultramar” de Patricia Suárez.

Luis Enrique Gasloli
Ha sido dirigido en sus últimos trabajos en cine y en teatro por directores de la talla de Daniel Veronese, Philippe Quesne, Paula Travnik, Mariano Pensotti y Paula Hernandez entre otros. Se encuentran entre sus últimos trabajos en teatro “Soy Rocío”, “La Noche canta sus canciones”, “El hombre que no duerme” y “La marea” Se ha presentado en numerosos Festivales Internacionales: Teatro de Goianias (Brasil), Santiago a Mil (Chile), Londrinas (Brasil), Festival Internacional de Teatro de Brasilia (Brasil), FIBA (Buenos Aires) , Porto Alegre em Cena- Ha obtenido el 1º premio como dramaturgo en el Concurso Nac de Iniciación Teatral Sec. De Cultura de la Nación

Alejo Mango
Ha trabajado en numerosas producciones tanto de cine como de teatro, ha sido dirigido en sus últimos trabajos por directores de la talla de Luis Agustoni, Beatriz Matar, Susana Torres Molina, Corina Fiorillo, Mónica Viñao, Héctor Levy Daniel, Lucrecia Martel, Lucía Cedrón, María Luisa Bemberg, Alejandro Doria entre otros – Ha obtenido la distinción de Mejor Actuación Masculina Comedia de Buenos Aires por su trabajo en LO QUE QUEDÓ (de Patricia Suárez y Adriana Tursi bajo la dirección Corina Fiorillo )
Y en el 2011 obtuvo el Premio Ace Mejor Actuación Masculina off por su trabajo en Kalvkott carne de ternera (de Silvina Chague bajo la dirección de Corina Fiorillo )

Violeta Zorrilla
Actriz, docente, productora – Ha sido formada por Alejandra Boero, Juan Carlos Gené y Verónica Oddó entre otros. Se encuentran entre sus últimos trabajos “Bodas de Sangre” bajo la dirección de Juan Carlos Gené (trabajo multinominado a los Premios Ace, Trinidad Guevara, Teatro del Mundo), “Stéfano” dirección: Camilo Parodi, “El Reñidero” bajo la dirección de Guillermo Parodi entre otros. Ha trabajado en televisión: “Los únicos”, “Malparida”, “Cita a ciegas”, entre otros. Y en cine ha sido dirigida por Eloísa Tarruela, Ezzio Maza, Katia Lara, Betty Kaplan entre otros. Actualmente es la coordinadora del área teatro del Espacio Cultural ECUNHI

Título: “Espectros”
Autor:Henrik Ibsen
Género / duración: Drama – 80 minutos
Personajes: Dos personajes femeninos y tres masculinos.
Dirección: Mariano Dossena /
Website www.espectrosteatro.blogspot.com

2011 / 2012 /  TEATRO- CC Cooperación – Av Corrientes 1543 Buenos Aires

Espectros

De Henrik Ibsen, con dirección de Mariano Dossena, protagonizada por Ingrid Pelicori y Walter Quiroz.

“Un verdadero espíritu de rebeldía es aquel que busca la felicidad en esta vida”

Henrik Ibsen

“Espectros”, de Henrik Ibsen, interpretada por Ingrid Pelicori, Walter Quiroz, Marcelo Bucossi, Horacio Acosta, Iride Mockert, cantante en vivo de Joaquin Soffredini (contratenor),producción general de Pablo Silva y dirección general de Mariano Dossena (“El Tiempo y Los Conway” y actualmente “Los Invertidos” -cuatro nominaciones al ACE-). //  En el Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543 / Tels – Informes: 5077-8000 y 5077-8080. Entrada $70  //

AUSPICIADO por la EMBAJADA DE NORUEGA

Nos apoyan: MOVISTAR, Revista VEAMAS, Imprenta LATIN GRAFICA, PROTEATRO, Radio SYMPHONY 91.3 y la Camara de Comercio Argentino-Noruega.

Mariano Dossena nominado MEJOR DIRECTOR en los Premios Maria Guerrero 2011 – Asoc. Amigos Teatro Cervantes -

El viernes de estreno se realizó un brindis especial con doble festejo: el estreno de “Espectros” y el arribo de la consultora Silva Producciones, con esta pieza, a su espectáculo número cincuenta. Además, contamos con la presencia de la Embajada de Noruega. Se degustaron bebidas típicas del país de Henrik Ibsen (licor de papa)

Una de las temáticas principales a lo largo de toda la obra de Ibsen es la rebelión de la mujer contemporánea y, si bien en “Espectros” esta búsqueda se hace visible, también bordea otras cuestiones, tales como la renovación espiritual, el karma, la herencia, la orfandad, la búsqueda de la identidad y, por sobre todo, aquellas cosas no visibles que determinan nuestro destino.

¿Cuánto de todo lo que tapamos, vuelve; se convierte en fuego, en piedras para con nuestro andar? ¿Cuánto de aquello que somos viene con nuestros antepasados? ¿Cuántos fantasmas, creencias muertas habitan en nuestro ser, en nuestro destino?

“Creo que uno de los motivos por los cuales elijo los autores clásicos es porque, más allá de su fuerte estructura dramática, abordan temas que me atraviesan tales como la identidad, las relaciones humanas, el destino, el espíritu. Es en ellos donde las repuestas que se me aparecen son -desde mi punto de vista- elevadas. Abordarlos es para mí un puente a nuevos pensamientos que contribuyen al crecimiento, a la reflexión. En el caso de Ibsen, lo que me atrapó fue su perfección dramática y su visión adelantada. Con ‘Espectros’ se devela una nueva forma de entender lo espiritual que coincide,  en varios puntos,  con el budismo – otra filosofía de la cual soy un declarado apasionado-, la transformación del karma; la simple alegría de estar vivo, el intentar convertir la oscuridad en luz, son temas fundamentales en esta obra del genial noruego. Como director, uno de los desafíos que me propuse fue el de serle fiel a la época; que la puesta transpire una Noruega a finales del 1800, ese clima nórdico frio y umbroso. Intuyo que la distancia temporal potencia la metáfora del autor”, declara Mariano Dossena

Una de las características principales de “Espectros” es que en la misma pone en juego la capacidad humana de renovación del espíritu. La protagonista de la pieza -Sra. Alving- es la voz de Ibsen quien se opone a la idea del vivir para sufrir profesada por el culto protestante, encarnado en el personaje del Pastor Manders. Los espectros son lo heredado, aquellas viejas creencias sin vida que traemos inconscientemente de nuestros ancestros y que, en nuestro presente, nos dificultan el  andar. Esta es la idea que, según palabras de Dossena, transmite la pieza una mirada que, a su vez, trasciende cualquier época. Una propuesta que revolucionó las ideas espirituales y sociales en la Noruega de finales del 1800; la pugna entre el mandato religioso al sufrimiento versus al ser feliz – por la pura alegría de estar vivo- y construir una existencia propia, basada en el deseo.

Síntesis // La señora Alving es viuda y recibe a Osvaldo su único hijo quien, enfermo, regresa a su casa de la infancia. Todo lo que durante años, ha sido ocultado respecto de la vida del difunto marido de Alving, saldrá a luz sin morfina, ni anestesia alguna. El karma de la familia volverá con el fuego, cada llama depurará, una a una, todas las mentiras.

Ficha Técnica // Autor: Henrik Ibsen;   Elenco: Ingrid Pelicori, Walter Quiroz, Marcelo Bucossi, Horacio Acosta e Iride Mockert; Cantante Joaquin Rodriguez Soffredini (contratenor); Escenografía y Vestuario: Nicolás Nanni; Fotos: Ana Lee; Diseño Gráfico: Andrés San Martin; Luces: Pedro Zambrelli; Asistencia de dirección: Tony Chavez, Asistencia Maria José Urlezaga; Eliana Sanchez; Asistencia de Producción: Tatiana D´Agate; Producción Ejecutiva: Ana Ortiz; Producción: Pablo Silva; Dirección:Mariano Dossena

Contacto Producción  SILVA PRODUCCIONES – www.silva.com.ar / Info@silva.com.ar

Un poco de Historia // Ibsen & Espectros // Henrik Ibsen (1828-1906) // Dramaturgo noruego. Reconocido como creador del drama moderno por sus obras realistas que abordan problemas psicológicos y sociales. Fue director de escena y autor del Teatro Nacional de Bergen, durante estos años de experiencia práctica teatral escribió sus primeras obras. Entre las primeras obras de Ibsen se encuentran dos dramas en verso: Brand (1866), y Peer Gynt (1867) Con Los pilares de la sociedad (1877), un ataque a la hipocresía y elogio al individualismo en la historia de un hombre de negocios sin escrúpulos, Ibsen daría comienzo a una serie de obras que le reportarían fama mundial: Casa de muñecas (1879), Espectros (1881) y Hedda Gabler (1890). También escribió Un enemigo del pueblo (1882), El pato salvaje (1884), La dama del mar (1888), El maestro contratista (1892) y Al despertar de nuestra muerte (1900). En casi todas, la acción dramática gira alrededor de un personaje en conflicto con las críticas de la sociedad contemporánea y estalla al irse conociendo los acontecimientos del pasado. Su influencia en el drama del siglo XX es inmensa. Ibsen se destaca por plantear un lugar de rebelión en la mujer contemporánea y con esto consigue, en parte, su fama universal. El Portazo de Nora en Casa de Muñecas es el comienzo de un movimiento femenino que no terminaría jamás. En Espectros, la rebelión se visualiza, pero en vez de seguir el camino de la liberación de la mujer, aparece aquí una sublimación, una rebelión espiritual, que intenta demostrar que lo heredado puede cambiarse.

Sobre Mariano Dossena. Docente & Director Teatral // Se ha formado como actor y director con maestros tales como Juan Carlos Gené, Verónica Oddó, Augusto Fernández, Rubén Szchumacher, Luciano Suardi y con diversos profesionales del exterior, tales como Alberto Isola (Perú), Jorge Guerra (Perú), Beatricce Braco (Italia) y Marcelo Díaz (Director residente en Alemania).Como director, se destacan los siguientes trabajos:“Los invertidos” de José González Castillo (4 nominaciones premios ACE 2011 actor Off, actor revelacion, Director y espectaculo alternativo), “Nadie plancha como yo” de Ana von Rebeur en el Centro Cultural de la Cooperación “El Tiempo y los Conway” de J.B.Priestley en el Centro Cultural de la Cooperación(Nominado mejor espectáculo alternativo PREMIOS ACE 2009 y 2 nominaciones PREMIOS TEATROS DEL MUNDO 2009-traduccion:Jaime Arrambide y adaptación Mariano Dossena); ”La Música” de Marguerite Duras en el Centro Cultural de la Cooperación; “Espacio Escondido” de Paúl Auster (La Tertulia y Teatro Nacional Cervantes); ”Ensayo anterior”, un espectáculo inspirado en textos de F. G. Lorca, Shakespeare y T. Kantor (Teatro IFT). En el área pedagógica, desde el año 2004 hasta la actualidad, trabaja como docente teatral en El Colegio Nacional de Buenos Aires (U.B.A.) y en diversas instituciones culturales.

Sobre Silva Producciones // Con Espectros arriba a su obra número 50

Silva Producciones se complace en anunciar el estreno de su obra número 50 en su recorrido de quince años produciendo teatro independiente en la ciudad de Buenos Aires, que se festejará, por partida doble, en el estreno de prensa de Espectros, de Henrik Ibsen, con dirección de Mariano Dossena, en el Centro Cultural de la Cooperación. Silva Producciones, creada por Pablo Silva, nace como una iniciativa de aunar los trabajos aislados de producción y profesionalizarlos. Sus primeras obras, El Kaso Dora y Luca Vive, fueron el resultado del entusiasmo más que de la planificación y la preproducción, y con el tiempo y la experiencia se fueron agregando algunos factores que llevan a consolidar el trabajo de producción entendiéndolo como el esfuerzo colectivo de un grupo humano con muchas ganas de producir artísticamente un hecho teatral. “Producir entra en la categoría de esas tareas que ahora todos valoran pero nadie sabe definir de qué se trata. Muchos siguen pensando que producir es hacerse cargo de la parte económica del proyecto. La producción se va profesionalizando, como un rol fundamental dentro del entramado teatral que constituye montar una obra de teatro y cada vez son más los grupos independientes que se acercan para tener alguien que los guie en la tarea de manejar el barco teatral”, declara Pablo Silva. Algunas de las cuarenta y nueve obras que Silva Producciones ha representado en este recorrido de quince años, son: “Los poetas de Mascaró”; “Los Invertidos”; “Quizás”; “El Tiempo y Los Conway”, “Hija de la dictadura argentina”; “Un hombre torcido”; “El deseo bajo los olmos” y  “El cartero de Neruda”.

Nuestras criticas  :  GRACIAS!!!

Título: “CHAU MISTERIX”
Autor: Mauricio Kartun
Género / duración: Comedia romántica – 60 minutos
Personajes: Dos personajes masculinos y dos femeninos, jóvenes.
Dirección: Virginia Lombardo

Entradas con DESCUENTO x ALTERNATIVA TEATRAL AQUI
Facebook Chau Misterix
2012 -   Viernes 23 hs   Teatro EL TINGLADO Mario Bravo 948 TEL 4863-1188 //
www.teatroeltinglado.com.ar/
Buenos Aires, Buenos Aires

El clasico de Mauricio Kartun vuelve a escena en su segunda temporada, con direccion de Virginia Lombardo y un elenco conformado por Talo Silveyra, Tamara Garzon, Ines Palombo y Esteban Coletti

Misterix es la historia de un crecimiento. Cambiar de estado, de etapa, el dolor de crecer.

En una esquina reconocible de un barrio del gran Buenos Aires, en los carnavales de 1958, cuatro amigos de 10 años juegan en la vereda. Rubén soporta la edad del pavo refugiándose en Misterix, un héroe de la época y sus amigos colaboran con sus fantasías interpretando todos los personajes que invoca.

Deliciosamente escrita, llena de situaciones ingenuas , hilarantes, que enriquecen nuestro imaginario, el día del eclipse, comienza en la calle, continúa con la siesta fantástica en la terraza y culmina en el baile del club.

Los pasos de la realidad a la fantasía, la edad de los protagonistas, la época, el despertar de la sexualidad, los amores desencontrados, las rivalidades y competencias, las frustraciones, van sucediendo, llevándonos por un relato clásico, maravilloso, que nos expresa.

Claro que casi siempre las cosas no resultan ser como las deseamos y sufriendo y gozando intermitentemente, vamos creciendo, cambiando de estado, de etapa.

DICE LA DIRECTORA, VIRGINIA LOMBARDO:
Chau misterix es un delicioso clásico argentino, pinta un mundo pequeño, el de la vereda, una época y el doloroso placer de crecer, nos expresa tanto que treinta años después vuelve a intersar a un grupo de artistas jóvenes.

Sus personajes son nuestros personajes, su historia es nuestra historia.
Está tan bien escrita que emociona, es tan sencillo contarla: tiene todo.

La modernidad del comic, la antigüedad del lenguaje, el mundo irreal de la fantasía que permite crear protegido, la emoción de los recuerdos, el despertar de la sexualidad, los fracasos, las ilusiones, nos sigue seduciendo a más de una generación y nos atrapa constantemente. Los juegos, los miedos, los mitos. El relevamiento histórico va llenando nuestro imaginario y de a poco se va conformando un cuarteto reconocible en cualquier vereda, en cualquier tiempo.

La creatividad y la corporalidad de los actores, cuatro jóvenes dúctiles, que parecen haber salido de una historieta antigua, logran una irrealidad intensa, erótica y violenta. Está instalada en el campo del humor, la nostalgia y la sensualidad.

Lee las palabras que nos escribió Mauricio Kartun ACA – Gracias MK !!

Ficha Técnica

Autor: Mauricio Kartun

Elenco: Talo Silveyra, Tamara Garzón, Inés Palombo y Esteban Coletti.

Música: Mariano Cossa
Escenografía y vestuario: Mery Vidal y Lucio Tirao
Diseño de sexo, violencia y fantasía: Federico Howard
Iluminación: Jorge Merzari
Diseño gráfico Martín Guerrero
Fotografías: Mauro Franceschetti.
Producción ejecutiva: Pablo Silva
Prensa: Simkin & Franco
Asistente de dirección: Vicky Lagos
Dirección: Virginia Lombardo

-Hacia una nueva forma de producción consumista cooperativa-

Por Pablo Silva

Como esquema general dividimos para pensar y trabajar el teatro, en tres áreas principales, estatal, comercial e independiente. Dentro de estos tres esquemas, cada sector tiene sus propias reglas y leyes, implícitas y explícitas. En los últimos tiempos, quizás años, los sectores mas independientes, teatro off, off corrientes, alternativos o de vanguardia parecemos haber tomado la forma y el ejemplo del teatro comercial, por alguna extraña razón, como un norte a seguir.

Este norte, que nos ubica en un lugar donde nos cuesta generar reglas y leyes propios, independientes, nos equipara con un sector con el cual no podemos competir, por varias razones. Volumen de producción, volumen de venta, carteles de los actores, cantidad de butacas, cantidad de publicidad. A todas luces, el sector independiente tiene y debe, encontrar formas propias, para cada uno de sus rubros ( a la manera del establecido “volanteo” como forma de publicidad alternativa)

Los grupos independientes, los deseos de muchos actores y muchos artistas involucrados en cada proyecto teatral independiente son el motor real de una actividad que crece en calidad y en cantidad, en unas cien salas de la ciudad de Buenos Aires.

Esos grupos, con historias previas o no, habitualmente agrupados bajo la formas de cooperativas de trabajo, no logran consolidar un frente de pensamiento o de negociación prácticamente en ningún área. Y esto es uno de los primeros puntos a pensar. Un poco por egoísmo, un poco por voluntades unidas ocasionalmente, otro poco por algunas razones que tal vez se me escapan. Pero lo que es seguro es que las más de 500 cooperativas inscriptas por año en la Asociación Argentina de Actores (no mucho mas que un trámite burócratico, en general) en Buenos Aires no logran organizarse en ningún sentido. Y esto, claramente, tiene consecuencias. Un sector que no puede organizarse ni negociar esta siempre listo para que lo fagociten, manipulen, o simplemente, lo ignoren.

En estos últimos años, todos los que nos movemos en el sector del teatro independiente, sufrimos una nueva forma de canibalización de esta franja: la relación con el dinero, en el pago de honerosos seguros de las salas –como si se tratara de proyectos comerciales-.

Para que se entienda, el pago del seguro de sala, que abona cada cooperativa, por día de función y que oscila entre 300 y 1000 pesos -según las salas, zonas, butacas, etc- cada vez es mas cuantioso, y canibaliza el sector independiente en una nueva forma de teatro “comercial off”.

Si el sector independiente repetía hasta el cansancio que los únicos que ganaban dinero eran los agentes de prensa, en estos últimos años, y cada vez más, ahora se podría decir que los únicos que ganan dinero son los agentes de prensa y las salas…

Por supuesto hay muchas variables más, y estas palabras solo intentar aportar algunas puntas mas para pensar. Suena lógico que los dueños de las salas, agrupados en su mayoría en Artei, prefieran no cobrar los subsidios que daba el estado por medio de Proteatro u otras instituciones, por serles insuficientes y porque, al aceptar dichos subsidios, se veían obligados a no cobrar dicho seguro de sala, aceptando sumas entre 10 y 15 mil pesos anuales. Las razones son básicamente matemáticas… con cobrar seguro a dos o tres cooperativas, ganarían el mismo dinero en dos o tres meses, y les quedaría todo el año para seguir cobrando y asegurando un ingreso fijo en la misma medida que se tienen los egresos de cualquier sala (empleados, luz, alquiler etc). Amen de esto, muchas salas cobraban el dinero del subsidio a salas de Proteatro u otros, y recurrían a algunas maniobras dolosas de dudosa legalidad para cobrar también el seguro de sala “encubierto”. Allí la falta de denuncias del sector desorganizado, hacía que si bien las noticias corrían, Proteatro no pudiera accionar de una manera mas coercitiva. Quizás con los montos elevados en este nuevo periodo (diez millones de pesos) algunas salas revean esta situación.

Y para sumar otra desilusión, por así decirlo, el organismo estatal mas importante dependiente de Secretaría de Cultura de la Nación, encabezada por Jorge Coscia, el Instituto Nacional de Teatro, se encuentra en un fuego pronto a ser intervenido y con varias denuncias de fraude y malversación de fondos públicos.

Es evidente que la situación coyuntural de las producciones de los cientos de cooperativas del teatro independiente, no ayuda a organizarse.

Ya que ni la Asociación de Actores, ni Proteatro, ni el Instituto Nacional de Teatro, por nombrar las instituciones mas cercanas al sector, tienen en sus objeticos ni organizar, ni defender, ni legislar para el sector del teatro independiente, pese a que tiendan a una forma de proteccionismo estatal, en los famosos subsidios a la creación y estrenos de trabajos teatrales independientes.

Así, los delegados, los productores, y los directores del teatro independiente, se ven conminados a convertirse en subsidiadores de las salas, abonando seguros que en las cuentas finales, casi siempre darán un signo negativo para las finanzas de la cooperativa, y para todos sus componentes –actores directores, asistentes- y para los artistas y técnicos implicados en ellas.

Será la hora de organizarse…?

Por Pablo Silva, en charla-debate organizada por el Teatro Municipal de Bahía Blanca, director Enrique Agesta, para todos aquellos interesados en la producción teatral (actores, directores, autores, artistas en general)

Coordinación Raúl Lázaro y Grupo RANA.

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Viernes 11 de Noviembre, 21 hs, libre y gratuita, en el TMBB, Alsina 425, Bahía Blanca

El teatro independiente es un fenómeno argentino que se expande sin pausas desde hace años. Buenos Aires tiene más de 300 espectáculos por fin de semana en 130 teatros, y sólo en capital hay más de 20 mil estudiantes de teatro. Esto también sucede en varias ciudades de nuestro país, y las variables económicas parecen no afectar la voluntad de las cooperativas teatrales que siguen produciendo y produciendo sin parar…. Cómo se explica todo esto?

Cuál es la tarea del productor? Y del productor ejecutivo? Cuál es la diferencia…?
Cómo coordinar estos complejos grupos humanos artísticos, de talentos y voluntades, actores técnicos y artistas, sin volverse loco en el intento?

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Charla Como producir teatro independiente (Y sin dinero!) por Pablo Silva

Pablo Silva – Productor, director, responsable de Silva Producciones -15 años, 50 obras estrenadas- Formado con Francisco Javier, Dalmiro Sáenz, Mauricio Kartun y Gustavo Schraier. Ha trabajado con algunos de los directores más importantes de la argentina, como Roberto Villanueva, Raul Serrano, Javier Daulte, Mariano Dossena, Lia Jelin, Jose Maria Muscari, entre otros. Actualmente en cartel: Los Invertidos, Los poetas de mascaro, Espectros, Nadie plancha como yo, Fin del mundito, Chau Misterix
mas info www.silva.com.ar / info@silva.com.ar

Segui la charla en FACEBOOK AQUI

Título: “Nadie plancha como yo”
Autor: Ana von Rebeur
Género / duración: Comedia – 60 minutos

Personajes: Un femenino

Website Grupo NADIE PLANCHA COMO YO en Facebook

FIN SEGUNDA TEMPORADA! //   Sabado Localidades AGOTADAS –
Sabados 2030 hs – Teatro C.C. COOPERACION, Av. Corrientes 1543, $40, Tel 5077-8000 Buenos Aires

¿ Qué pasa cuando un sábado a la noche una mujer quiere salir y no tiene con quién?
En “Nadie plancha como yo” una mujer repasa su vida sentimental tratando de descubrir por qué está sola, qué falló en su búsqueda de tener un amor.

En este recorrido que ofrece carcajada tras carcajada, hombres y mujeres se sienten identificados ante la difícil empresa de buscar pareja.

Esta obra nos arranca tantas risas como reflexiones y nos permite reírnos de este difícil milagro que es encontrar a quién amar… ¡y que justo quiera amarnos!
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NADIE PLANCHA COMO YO

de Ana von Rebeur

con Valeria Kamenet

Musica original Diego Lozano

Escenografía y vestuario Nicolas Nanni

Prensa Silvina Pizarro

Luces Pedro Zambrelli

Asistencia y sonido Tony Chavez / Maria Jose Urlezaga

Producción Pablo Silva

Dirección Mariano Dossena
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MADRINA DEL ESPECTACULO: La Sra. EDDA DIAZ!! Graciassss
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SABADOS 2030 hs Teatro C.C. COOPERACION Corrientes 1543 CABA

“Después de abordar como director, una seguidilla de texto clásicos, me pareció muy atractiva la propuesta de dirigir a Valeria Kamenet, actriz camaleónica si las hay, en este unipersonal, con un texto que mezcla el humor y una profunda reflexión acerca de las relaciones humanas, para mi un debut en el genero humorístico y un gran desafío. En este viaje creativo que emprendimos con Valeria, nos sirvió mucho como fuente de inspiración visual la película ‘Las mujeres perfectas’ y varias de Almodóvar. El deseo de ser la mujer ideal, esposa perfecta y ama de casa todoterreno, de Betty, nuestro personaje, se contrapone al posible encuentro ‘real’ con su hombre soñado. La mirada de un hombre sobre un texto con una problemática femenina, me hizo pensar acerca de si la soledad es una cuestión de género o de forma de ver la vida… ¿se está solo porque la vida lo impone o porque es más fácil?, comenta Mariano Dossena

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Título: Fin del Mundito -Todo el Apocalipsis cabe en un ascensor-
Autor: Gerardo Chendo
Género / duración: Tragicomedia unipersonal – 55 minutos
Personajes: Un masculino
Website en FACEBOOK
WEB www.findelmundito.blogspot.com
2011/2 -Teatro BELISARIO – DOMINGOS 20 hs – Av. Corrientes 1624 / Tel 4373-3465-

Una obra escrita y dirigida por Gerardo Chendo
Con la actuación unipersonal de Demián Candal

Con las voces de
Arnaldo André y Jorgelina Aruzzi

Supervisión de dramaturgia
Javier Daulte

“El pájaro rompe el cascarón, el huevo es el mundo, quien quiera nacer tiene que romper un mundo.”

Demián- Herman Hesse

Una tremenda explosión, encaja la hermética cabina del ascensor, en que Juan Paludi ascendía hacia el éxito, en un nuevo presente; inmóvil, feroz y solitario.
Atrapados, tanto el protagonista – un joven inventor – como el espectador, irán uniendo los retazos de información, que les permitirán comprender que, afuera, ha estallado una guerra, cuyo origen es tan descabellado como podría serlo cualquiera.
Pero lo que sucede afuera –de lo que nadie, nunca, puede ocuparse- no interesa más que como detonador y marco de los que sí importa: qué pasa adentro, de la cabina y del mismo Juan.

“Fin del mundito” es una comedia dramática unipersonal de 6 actos, que transcurre, íntegramente, en la cabina de un ascensor de diseño realista (1,6 x 1,6 x 2,10 mts; con techo, 3 paredes y un frente de acrílico transparente; que, por efecto lumínico, oficia de espejo para el actor y permite ver al espectador).

Ficha Técnica

Autor y Director: Gerardo Chendo
Supervisión de dramaturgia: Javier Daulte
Protagonista: Demián Candal
Gral. Bienvenido Valenzuela (off): Arnaldo André
Locutora (off): Jorgelina Aruzzi
Coordinación artística: Pepe Puenzo
Producción Ejecutiva: Pablo Silva
Luz: Nicolás Puenzo
Escenografía: Pablo Racioppi & Mariano Sivak
Sonido: Manuel Adem
Vestuario: Marcela Tazzioli
Asesoramiento corporal: Margarita Molfino
Diseño y realización de proyección en video: Pepe Puenzo & Andy Riva
Asistente de dirección: Gustavo Suarez
Asistente de producción – operador de sonido: Tony Chávez
Traducción al guaraní: Trigidio González Candia & Darío Valenzuela
Fotos: Pepe Puenzo & Andy Riva
Prensa: Duche&Zárate
Gráfica: Andy Riva
Diseño Gráfico: Majo Sánchez Chiappe
Idea original: Demián Candal

el 2011  ha sido un año excepcional

muchos procesos teatrales, muchas experiencias, muchas emociones

queremos agradecer a todos los que participaron entendiendo que sin la voluntad de un grupo decidido, no hay teatro independiente posible

GRACIAS!

a LOS INVERTIDOS - Nominados Premios ACE – Mejor espectáculo/Mejor actor de reparto Emiliano Dionisi / Revelación Gustavo Pardi / Mejor Director M. Dossena / Nominado Premios Maria Guerrero: Mejor escenografía – Mejor Vestuario: Nicolas Nanni – Mejor Director Mariano Dossena / Gracias a Gustavo Pardi, Maia Francia, Fernando Sayago, Emiliano Dionisi, Alejandro Falchini,  Daniel Toppino, Elsa Espinosa, Margarita Lorenzo, Leon Bara, Gabriel Serenelli. A Nicolas Nanni, Diego Lozano, Paula Galvan, Mariana Jacobs, Juan Borraspardo, Andres san Martin, Claudio del Bianco, Alejandro Galerti, Ariel Li Gotti, Silvina Pizarro, Rodrigo Mujico, Mariano Stolkiner, Teatro EL EX

a QUIZAS – Gracias a Sol Pavez, Pablo Cerri, Pablo Calmet, Christian Gadea, Mariana Ron, Alejandro Kauderer, Santiago Fraccarolli, Caro Alfonso

al Festival del Amor, al Teatro CC Cooperación, y su gente

a EL REY SE MUERE – Nominados Mejor Vestuario Premio Teatro del Mundo Maria Oswald / Mejor Fotografía Agustina Perreta – Gracias a Omar Calicchio, Valeria Lorca, Agustina Cerviño, Heidi Steingardt, Gabriel Rovito, Maria Roji, Matias Straffe, Maria Oswald, Pedro Zambrelli, Agustina Perreta, Andres San Martin, Natalia Kesselman

a NEGRO SOBRE BLANCA – Anahi Martella, Marcos Moreno, Alejandro Mateo, Luis Viola, Leonardo Haedo, Pablo Sirio, Teresa Jackiw, Malena Graciosi

a NADIE PLANCHA COMO YO – Valeria Kamenet, Diego Lozano, Nicolás Nanni, Diana Kamen

a FIN DEL MUNDITO - Gerardo Chendo, Demian Candal, Pepe Puenzo, Andy Riva, Marcela Tazzioli, Arnaldo Andre, Jorgelina Aruzzi, Javier Daulte, Marcelo Savignone- REESTRENO Febrero Belisario

a CHAU MISTERIX - Tamara Garzon, Talo Silveyra, Esteban Coletti, Ines Palombo, Mariano Cossa, Jorge Merzari, Dany Franco,  Fede Howard, Mery Vidal y Lucio Tirao, Martín Guerrero, Mauro Franceschetti, Familia Lamoglia, Teatro EL TINGLADO – REESTRENO FEBRERO 2012

a LOS POETAS DE MASCARO – Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto, Claudia Tomas, Benito Grande. A Juano Villafañe, Nora Perussin, Luis Alonso, Sergio Kisielewsky, Leonor Garcia Hernando.

a ESPECTROS – Nominado Mejor Director Premios Maria Guerero : Mariano Dossena /- Ingrid Pelicori, Walter Quiroz, Marcelo Bucossi, Horacio Acosta, Iride Mockert, Joaquin Rodriguez Soffredini, Nicolas Nanni, Ana Lee - REESTRENO Febrero 2012 Teatro COOPERACION

gracias a los directores, por su guia,  Julio Baccaro, Leonor Manso, Mariano Dossena, Gerardo Chendo, Lia Jelin, Virginia Lombardo.

gracias a los autores por darnos letra, Gonzalez Castillo, Ionesco, Sol Pavez, Ana von Rebeur, Mabel Loisi, Henrik Ibsen,  Juano Villafañe, y especialmente a Mauricio Kartun

muchas gracias a nuestro equipo:

Tatiana D´Agate - Ana Ortiz, en coordinacion general y nuestros productores: Tony Chavez, Carla Maieli, Maria Jose Urlezaga, Santiago Lagos, Vicky Lagos, Eliana Sanchez, nuestros pasantesEduardo Colque y Aldana Muzon y a nuestro webmaster Diego Gassi

Gracias a todos los que participaron, se contactaron y vinieron a tomar licor de papa en el festejo del estreno de nuestra obra Numero 50 !! Una fiesta que se completo con la funcion de ESPECTROS

Gracias a los que nominan y premian nuestras obras, es un honor y una alegria

Gracias  a los que apuestan al teatro independiente

Gracias a los que nos apoyan!!  Muchas Gracias a la Embajada de Noruega (a Eugenia Tapia), a MOVISTAR, a la Revista VEAMAS, Imprenta LATIN GRAFICA, Radio SYMPHONY 91.3, la Camara de Comercio Argentino-Noruega, ISHO Pelucas, MATICES, Mundo teatral, Casa BRUTUS Club, Pressenta.com.ar.

Gracias a los que siguen pensando que tenemos algo para decir… y organizan charlas conferencias y debates sobre el teatro independiente y nos permiten participar.

Gracias a los que confian en nosotros para el 2012 / Gracias a Zaida Rico y Susana Hornos por Granos de Uva en el Paladar -Estreno Febrero 2012 / Gracias al escritor Abelardo Castillo por permitirnos abordar EL OTRO JUDAS  / A Sol Pavez x su nueva obra: Un lugar tan pequeño o un pequeño lugar / A Monica Maffia y sus TOP GIRLS / A Fernando Sureda por compartir su nuevo espacio del Auditorio Losada / Gracias a los que nos contactan, envian sus propuestas, sus ideas, sus materiales, sus textos.

Quiero dedicar el año a Elena Tasisto, porque la quiero y la admiro.

Quiero agradecer especialmente a Leonor Manso, Ingrid Pelicori, y Walter Quiroz por su generosidad, por sus risas y por sus talentos, que pudimos compartir y por lo bien que la pasamos.

Y a Mariano Dossena, porque no hay quien lo pare.

Muchas gracias a todos, y a festejar! FELICIDADES ! -

Pablo Silva

Título: “Los Invertidos”
Autor: Gonzalez Castillo, Adaptación Pablo Silva-Mariano Dossena
Género / duración: Drama – 80 minutos
Personajes: Diez personajes, ocho masculinos, dos femeninos
Dirección: Mariano Dossena
Website: http://www.losinvertidos.com.ar/
FACEBOOK: http://www.facebook.com/grupolosinvertidos
VENTA / RESERVA de entradas en la pagina de ALTERNATIVA TEATRAL

Sabados 23 hs /- EL EXTRANJERO – Valentin Gomez 3378, Abasto – SE AGOTAN, RESERVAS Tel 4862-7400 Buenos Aires

Después de 20 años volvió a la escena porteña una de las obras mas polémicas del teatro argentino, Los Invertidos de José Gonzalez Castillo.
La obra aborda el tema de la homosexualidad en 1914, Argentina, desde su estreno la obra genero discusiones y fue prohibida por las autoridades municipales.

Síntesis: Buenos Aires, 1914, una familia adinerada es sacudida por la revelación de la doble vida sexual de Flórez, padre y marido, con su íntimo amigo de la infancia, Pérez, quien tiene un bunker donde los invertidos de la época pueden desplegar su mundo femenino.
Clara, esposa de Flórez, es el vértice de este triangulo trágico, por el cual esta historia de “amor de hombres” lleva a los personajes a desnudar sus más ocultas pasiones.
Lo prohibido y lo que no puede “ser visto” de esta relación conduce irremediablemente a los personajes a la tragedia.

4 Nominaciones a los Premios ACE 2011:

Mejor Actor de Reparto: Emiliano Dionisi

Revelación masculina: Gustavo Pardi

Director espectáculo alternativo: Mariano Dossena

Mejor Espectáculo de teatro alternativo: “Los invertidos” en El X Teatro.

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Nominados Premios Maria Guerero 2011- Asoc. Amigos Teatro Nac. Cervantes 2011

Nicolas Nanni – Mejor Escenografía / Mejor Vestuario

Mariano Dossena – Mejor Director

En 1990, hubo una muy recordada y también controvertida versión realizada por Alberto Ure, en el Teatro San Martin y en ese elenco estaban, Antonio Grimau, Cristina Banegas, Jorge Mayor, Elsa Berenguer, entre otros. Desde 1990 hasta el presente no hubo otra versión de relieve de la obra y hoy  llega esta nueva versión adaptada por Silva-Dossena, que vuelve para seguir preguntándonos acerca de la aceptación de “lo distinto” del amor entre personas del mismo sexo, del amor…

Dirección Mariano Dossena

Elenco:

GUSTAVO PARDI  – Dr. Flórez-

FERNANDO SAYAGO –Perez-

MAIA FRANCIA –Clara-

EMILIANO DIONISI –Julián / Juanita-

ALEJANDRO FALCHINI –Emilio-

DANIEL TOPPINO –Princesa-

ELSA ESPINOSA –Petrona-

LEON BARA –Benito-

GABRIEL SERENELLI –Fernández-

y MARGARITA LORENZO –Lola-

Equipo Técnico:

Autor González Castillo

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Sayago, Pardi, Maia Francia

Título: “Los poetas de Mascaró” Un espectáculo de poesía
Autores: “Sudestada”, de Luis Eduardo Alonso; “El cansancio de los materiales”, de Leonor García Hernando; “Electrificar Rusia”, de Sergio Kisielewsky; “Los soles oblicuos”, de Nora Perusín y “Una leona entra en el mar”, de Juano Villafañe Adaptación Leonor Manso – Ingrid Pelicori
Género / duración: Poesía – 50 minutos
Dirección: Leonor Manso
Sabados 18 hs / TEATRO- CC Cooperación – Av Corrientes 1543  Buenos Aires $ 50

En el año del aniversario número 35º de la desaparición de Haroldo Conti

Los Poetas de Mascaró

Los sábados se puede ver “Los Poetas de Mascaró”, un espectáculo de poesía y homenaje, interpretado por Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto y Claudia Tomás (actor invitado Walter Quiroz), con la participación especial, como músico invitado, de Benito Grande.

Funciones todos los sábados a las 18 hs. en la Sala González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1551 / Tels. – Informes: 5077-8000 y 5077-8080. Entrada $50.-  //

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La propuesta principal de “Los Poetas de Mascaró” es recorrer la escritura como memoria de una generación literaria que vivió su experiencia poética principal entre las décadas del setenta y ochenta. Una obra que ofrece vivir la poesía en las historias de las imágenes, en las historias de sus autores, en las historias del país a partir de la lectura de textos tales como: “Sudestada”, de Luis Eduardo Alonso; “El cansancio de los materiales”, de Leonor García Hernando; “Electrificar Rusia”, de SergioKisielewsky; “Los soles oblicuos”, de Nora Perusín y “Una leona entra en el mar”, de Juano Villafañe, entre otros.

Este espectáculo está dedicado a: Leonor García Hernando (1955-2001), Luis Eduardo Alonso (1951-2002), a nuestros poetas desaparecidos en 1976 – María Elena San Martín, Claudio Valetti y Claudio Ostrej, integrantes del  Taller Literario “Mario Jorge De Lellis”-   al escritor Haroldo Conti junto a su novela “Mascaró, el cazador Americano” y al poeta Mario Jorge De Lellis

Sobre Los poetas de Mascaró. Un poco de Historia. Por Juano Villafañe

“Los poetas de Mascaró fue un grupo de escritores integrado por Luis Eduardo Alonso, Leonor García Hernando, Sergio Kisielewsky, Nora Perusín y, quien escribe,Juano Villafañe. Nos conocimos a principios de 1970, en el marco del Taller Literario “Mario Jorge De Lellis”. Siempre nos sentimos parte de los “que se salvaron” de ser desaparecidos. Vivimos en la apertura democrática durante los años ochenta el gran drama nacional de los desaparecidos que Leonor García Hernando definió como “la muerte argentina”, la muerte impuesta “para escarmiento de un pueblo retobado”. Éramos muy jóvenes para asumir la muerte y también la derrota de un proceso que tampoco alcanzamos a dirigir. El Grupo Mascaró vivía en un estado de permanente expansión utópica que no apostaba a ser sólo  una acciónvoluntarista. La poesía es en sí una expresión utópica con anclajes reales. Vivir poéticamente fue el desafío del grupo, como acto de fidelidad absoluta a la escritura y a la vida cotidiana que hacía a la escritura. Con la poesía no cambiábamos el mundo, pero el estado poético se parecía al mundo transformado. Vivíamos lo privado y lo público como una sola cosa; también sabíamos ir a lo privado y reconocíamos las particularidades de lo público. El estado poético era una forma de ser y estar en el mundo. Fuimos vitalistas y en este sentido anti-intelectualistas, pero leímos mucho, nos preparamos tanto teóricamente como literariamente. La Revista de Literatura Mascaró (editada entre 1985 y hasta 1988), nace como una búsqueda del grupo para rendirle homenaje tanto al escritor desaparecido Haroldo Conti como a su novela “Mascaró, el cazador americano”. Mascaró era un jinete que conducía  artistas de un circo, haciendo funciones de pueblo en pueblo y es, también, un reconocimiento a los hombres de Nuestra América, quienes realizaban las tradicionales incursiones de caza sobre diversos territorios con el fin de sobrevivir. En el primer número de la revista publicamos “A la diestra”, un cuento inédito de H. Conti, el cual había quedado en su máquina de escribir el día que lo secuestraron. En los primeros años de la democracia, fuimos la primera revista que publicó poemas inéditos de Juan Gelman. Fuimos amplios para reconocer también la complejidad de las izquierdas, el progresismo y el nacionalismo popular en nuestro país; tanto en lo estético como en lo político, siempre desde un pensamiento crítico y no excluyente. Abordamos los debates dándole prioridad a las búsquedas creativas de la literatura dentro de una coyuntura histórica donde el conflicto cultural entre tradición y vanguardia se abría para contener en el mismo espacio los intentos de ruptura y de continuidad en nuestras letras nacionales. Mantuvimos un trabajo cultural constante. Con las muertes de Leonor García Hernando en el 2001 y Luis Eduardo Alonso en el 2002 lo que perdimos fue al Grupo Mascaró. Un grupo, vuelvo a decirlo, muy vitalista, de acción poética, heterogéneo en lo estético, muy crítico del realismo socialista, pero siempre ubicado en la izquierda, contaminados por los barros, las grandezas y las miserias de la política. Lo que más siento como pérdida era esa confianza que siempre generan los grupos de arte que se conocen y se sobreponen a todas las dificultades. Además, éramos descarnadamente auténticos para decirnos la verdad, para pelearnos, para reconciliarnos. Por todo esto y por nada menos que esto, hoy nos reconforta el poder llevar a cabo esta pieza poética “Los Poetas de Mascaró” porque con la misma podemos darnos el gran placer de recuperar a aquellos amigos inolvidables que fueron Leonor García Hernando y Luis Eduardo Alonso y, con ellos, a los compañeros desaparecidos en el año 1976 (María Elena San Martín, Claudio Ostrej y Claudio Valetti -poetas muy jóvenes- de aquel Taller Literario que nos unió para siempre), personas a las cuales este espectáculo está enteramente dedicado, al igual que al maravilloso escritor Haroldo Conti, secuestrado por la dictadura hace 35 años y al poeta muy porteño Mario Jorge De Lellis. Por todos estos motivos queremos agradecer muy especialmente a Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto y Claudia Tomás ya que sin ellos no podríamos llevar a cabo este ritual de poesía, memoria y homenaje”

FRAGMENTOS:
“Yo, este animal que ha perdido su pelea, / digo que así como el vuelo de una mariposa perdida en el Pacífico / puede desencadenar un mes de lluvias y tormentas en el Río de la Plata / y arruinar mis vacaciones merecidas llenas de doradas bikinis / también ese oscuro poema que brilla en el cajón de tu escritorio / podría cambiar el mundo…”,Mariposas, de Luis Eduardo Alonso

“(…) será que estoy triste y el estallido de vidrios en el mosaico acerca aquellos latidos / violáceo crespón escurriéndose entre paredones de curtiembres / eran otros los sótanos eran otras las torturas / y la memoria, como reducidor de cabezas, aprieta sus imágenes en cajas cada vez más estrechas…”, El cansancio de los materiales, de Leonor García Hernando

” (..) No, no vuelvas a pronunciar la palabra avión / en esos aparatos en el cielo violento / se fueron los codazos / los años del bar / los poetas que enseñaron a vivir / aquí la patria se mete en la niebla y no regresa…”, Exilio, de Sergio Kisielewsky

“(…) Después de todo, comprobamos / que podía arder como fogata. / Arde sola, / no ser relámpago, ni avispa / Ni nada”, Taller literario (fragmento), de Nora Perusín

“(..) Y habrá una playa, infinita ella, la pobre, la meditada, la maldita, / con sonidos de una furia feliz / que pone a la caída del ángel / ese otro deseo de un calor oscuro / sobre el cuerpo tuyo / angelito de noche / mujercita de playa recostada en el mundo”, Mujercita de playa recostada en el mundo, de Juano Villafañe

Ficha Técnica: Intérpretes: Alejandro Awada, Patricio Contreras, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Elena Tasisto y Claudia Tomás (actor invitado: Walter Quiroz); Textos y Autores: “Sudestada”, de Luis Alonso;  ”El cansancio de los materiales”, de Leonor García Hernando; “Electrificar Rusia”, de Sergio Kisielewsky; “Los soles oblicuos”, de Nora Perusíny ”Una leona entra en el mar”, de Juano Villafañe; Músico Invitado: Benito Grande; Canto: Claudia Tomás; Iluminación: Pedro Zambelli; Estenografía y Vestuario: Leonor Manso; Fotografía: Anna Lee; Producción General: Juano Villafañe Producción Ejecutiva: Pablo Silva; Asistente de Producción: Tatiana D’Agate

Funciones: sábados a las 18 hs. en la Sala Raúl González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini, Av. Corrientes 1543 / Tels. – Informes: 5077-8000 y 5077-8080. Entrada $50 //

Prensa. Silvina Pizarro / Tel.: 35325580 / 1550448132 / pizarrosilvina@gmail.com // Contacto Producción: SILVA Producciones 155 7381067 / info@silva.com.ar /www.silva.com.ar

Sobre Los Poetas

Leonor García Hernando (1955-2001)

Integró el Taller Literario Mario Jorge De Lelis, el “Grupo Literario Las Cuarenta” y en la Revista Literaria Mascaró tuvo a su cargo las páginas de crítica y publicación de la Sección Poesía en la revista. Publicó los libros de poemas “Mudanzas”, “Negras ropas de mujer”, “La enagua cuelga del clavo en la pared”, “Tangos del orfelinato/ Tangos del asesinato” y “El cansancio de los materiales”. Su obra está inscripta en los hallazgos más viscerales de la historia de nuestra poesía. La oralidad, los cambios de ritmo y la construcción de las imágenes avasallantes dejaron huella en las nuevas generaciones que buscan en su palabra el latido de la Argentina que fue.

Luis Eduardo Alonso (1951-2002)

Fue uno de los coordinadores del Taller Literario Mario Jorge De Lellis e integró la Revista Literaria Mascaró. Publicó los libros de poemas: “Canto a dos lágrimas ante el invasor”, “La mar”, “Las indias”, “Sudestada” y la obra de teatro “La tierra sin mal” estrenada en Buenos Aires en 1984. Su obra incluye el elemento épico de las gestas latinoamericanas con una gran impronta política. Incorpora en sus textos la temática de la clase trabajadora en sus luchas contra el Rodrigazo y sus actos de resistencia durante gobiernos dictatoriales. Fue también doctor en Física, Química y Matemáticas y Rector del Colegio Reconquista de Villa Urquiza.

Sergio Kisielewsky

Nació en el barrio de Villa Pueyrredón, Capital Federal en 1957. Integró el Taller Literario Mario Jorge De Lellis (1974-1977), el Grupo Literario Las Cuarenta y la Revista Literaria Mascaró. Publicó los libros de poemas “Algo de la época”, “Memoria caníbal”, “Corazón negro”, “Electrificar Rusia” y “La belleza es un campo minado”. Coordinó talleres literarios para chicos y adultos en el Plan de Lectura Leer es Crecer que dirigió la Profesora Hebe Clementi y también en forma privada. Su temática gira en torno a la recreación de los sucesos familiares, el amor como búsqueda constante y las construcciones míticas en el trabajo con las imágenes. Es periodista y en la actualidad se desempeña como colaborador de la Sección Diálogos y el Suplemento Radar del diario Página 12.

Nora Alicia Perusín

Nace en Buenos Aires en 1955. En los años setenta participa del Taller Literario “Mario Jorge De Lellis”. En 1980 publica su primer libro de poemas: “Acerca de nosotros”. Fue colaboradora permanente de la Revista de Literatura “Mascaró” desde fines de 1984 hasta 1988. En 1999 publica “Los soles oblicuos” (colección Mascaró), en 2007 edita “La distancia es una frontera que se mueve” en Ediciones del Dock. Parte de su obra figura en antologías nacionales y extranjeras.

Juano Villafañe

Nació en Quito, Ecuador, en 1952. Reside en Buenos Aires, Argentina, desde 1955. Formó parte del taller literario “Mario Jorge De Lellis” en la década del setenta. Entre los años 1976 y 1982 viajó por Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia y Venezuela realizando actividades literarias en universidades y centros culturales. Fue cofundador de las revistas de literatura Tientos y Diferencias (Quito, 1979) y Mascaró (Buenos Aires, 1983). Dirigió desde 1987 hasta 2002 “Liberarte Bodega Cultural”. Fue asesor literario de Ediciones Desde la Gente -editorial del Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos-. En 1989 participó del Encuentro Latinoamericano de Jóvenes Intelectuales organizado por la Casa de las Américas (La Habana., Cuba). En el año 1992 integró las delegaciones latinoamericanas en las Jornadas por los Quinientos Años de la Conquista de América organizadas por la Universidad de ARCIS de Santiago de Chile. Desde el año 2001 hasta la fecha tiene a su cargo la Dirección Artística de Centro Cultural de la Cooperación “Floreal Gorini” donde ha creado dentro de el Departamento Artístico el Área de Teatro, el Área de Música, de Artes Escénicas, de Artes Audiovisuales, el Área de Variete, el Área de Danza, el Área de Títeres y Espectáculos para Niños y el Área de Políticas Culturales.  En poesía ha publicado Poemas Anteriores (Ediciones de la Universidad Central del Ecuador, Quito, 1982), Visión Retrospectiva de la Botella (Libros de Tierra Firme, Buenos Aires, 1987), Una Leona Entra en el Mar (Ediciones Del Dock, Buenos Aires, 2000), Un Leona Entra en el Mar (Editorial Arte y Literatura, La Habana, Cuba, 2005). Esta última edición fue presentada en la Feria Internacional del Libro de la Habana (febrero, 2005). Compiló una selección del cuento latinoamericano  La Narrativa Erótica Latinoamericana (Ediciones Desde La Gente, Buenos Aires, 1992) y dos selecciones sobre la nueva poesía argentina Poetas. Autores de Fin de Siglo I y II (Ediciones Desde La Gente, Buenos Aires, 1994, 1997). En abril de 2007 participó del Festival Internacional de Poesía de Santo Domingo, República Dominicana y en la Feria Internacional del Libro de dicho país representando a la Argentina. Integró la delegación argentina de escritores que participó de la III Feria Internacional del Libro de Venezuela en el mes de noviembre de 2007. En el año 2008 participó del Festival Internacional de Poesía de Medellín. Formó parte del Jurado Internacional en el Festival “Vértigo” del Nuevo Teatro Italiano en la Ciudad de Roma en el año 2010. Es miembro fundador del espacio de intelectuales Carta Abierta. Trabaja en el periodismo cultural radial y en el Área de Políticas Culturales del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini.

Festejamos el estreno de nuestra obra numero 50!!  15 años / 50 estrenos

Con ESPECTROS nuestra artesanal productora llega al estreno de su obra numero 50, y creemos que hay que festejarlo!

Vamos a festejar por duplicado entonces, en el estreno de la obra de Henrik Ibsen, que haremos en el Teatro Centro Cultural de la Cooperacion, los viernes y sabados empezando el viernes 19 de agosto.

Festejaremos junto a este nuevo elenco que se suma a nuestro equipo, liderado por su director, Mariano Dossena, y por un elenco conformado por Ingrid Pelicori, Walter Quiroz, Marcelo Bucossi, Horacio Acosta e Iride Mockert.

Brindaremos con los compañeros, con Los Poetas de Mascaró, con los que festejamos todos los sabados, la reunion entre poesía y teatro: Alejandro Awada, Leonor Manso, Ingrid Pelicori, Patricio Contreras, Claudia Tomas y la gran Elena Tasisto.

Brindamos por los que nos acompañan, desde hace quince temporadas.

Con los que nos apoyaron y nos dieron su aliento para que empecemos, y para que continuemos.

Con Los Invertidos, y un grupo excepcional, liderado por Gustavo Pardi, Maia Francia, Fernando Sayago, y Emiliano Dionisi.

Con un equipo que trabaja y mucho, en el día a día.

Brindaremos este viernes 19 de agosto  con los amigos periodistas que tanto nos ayudan, en la tarea de difusion del teatro independiente.

Y vamos por mas!

Gracias a todos!!!!

Pablo Silva

Silva Producciones teatro se complace en anunciar el estreno de su obra Numero 50 en el recorrido de sus 15 años produciendo teatro independiente en la ciudad de Buenos Aires, que se festejará por partida doble en el estreno de prensa de ESPECTROS de Ibsen en el Teatro CC Cooperacion.

Silva Producciones nace como una iniciativa de aunar las trabajos aislados de producción y profesionalizarlos durante estos últimos años y que continua hoy. Sus primeras obras El Kaso Dora, Luca Vive, fueron resultado del entusiasmo y las ganas, más que de la planificación y la preproducción, y con el tiempo y la experiencia se fueron agregando algunos factores que llevan a consolidar el trabajo de producción entendiéndolo como el esfuerzo colectivo de un grupo humano con muchas ganas de producir artísticamente un hecho teatral.

La coordinación de las distintas áreas (vestuario, escenografía, iluminación, prensa, promoción, publicidad, sala, inversores, grafica, fotos, etc) y tratar de obtener lo mejor de cada uno de los componentes de cada subequipo es la tarea básica del productor teatral.

Al respecto nos dice Pablo Silva, titular de Silva Producciones: “Producir entra en la categoría de esas tareas que ahora todos valoran pero nadie sabe bien definir de que se trata, que se hace concretamente… Y muchos siguen unicamente con la idea que siempre es el responsable económico de un proyecto… La producción se va profesionalizando, como un rol fundamental dentro del entramado teatral que constituye montar una obra de teatro, y cada vez son mas los pequeños y medianos grupos independientes que se acercan para tener alguien que los guie en la tarea de manejar el barco teatral.”

-Silva, Salo Pasik, Mariano Dossena

En el estreno de ESPECTROS  en el Teatro CC Cooperación y festejando las 50 obras de Silva Producciones-

Título: “Quizás”
Autor: Sol Pavez
Género / duración: Comedia dramatica – 60 minutos
Personajes: Un femenino y un masculino, jovenes.

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Gira 2011

Una cita a ciegas, un encuentro desesperado, y un recorrido absurdo por tratar de sostener que el otro es quien uno quiere que sea…

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Quizás surgió a partir de la necesidad de hablar sobre el amor, en toda su formas, con sus partes más crueles, de la imposibilidad de ver al otro por tratar de sostener que es, quien uno quiere que sea, de la compulsión a intentarlo, a pesar de todo, incluso a pesar del otro, de los instintos y los instantes, los instintos de muerte y de preservación, y los instantes, esos momentos en los que el deseo de amar y matar pueden despertarse desde un mismo lugar y comprender así, que en ambos casos siempre necesitamos del otro.

Dramaturgia: Sol Pavéz
con Pablo Cerri y Sol Pavéz
Escenografía: Pablo Calmet
Vestuario: Mariana Ron
Diseño de luces: Christian Gadea
Música original: Alejandro Kauderer
Diseño gráfico: Santiago Fraccarolli
Prensa: Caro Alfonso
Asistencia de Produccion: Tatiana D’Agate – Vicky Lagos
Asistencia de dirección: Jonathan Esquivel
Producción ejecutiva: Pablo Silva
Dirección Sol Pavéz

2011: Viernes  21 hs, Teatro El Tadrón, Niceto Vega y Armenia, Reservas 4777-7976

MAURICIO KARTUN

Estrené Chau Misterix en el ´80 lleno de dudas. Una obra cuyos personajes son cuatro pibes de 11 años, pensaba: ¿aceptaría el público la convención de que cuatro adultos la representaran?. El milagro se produjo y desde aquel lejano estreno en el ´80 no ha habido temporada en su historia en la que en algún lugar del mundo no haya sido representada. Como en una insólita carrera de postas mas de un centenar de elencos se han ido pasando el testigo de un escenario al otro durante estos treinta años.

En cierta alergia que tengo a ver mis propias obras hacía ahora años que no me sentaba a ver alguna nueva versión. Fue una alegría y una emoción enorme reencontrarme con mi texto en esta puesta encantadora de Virginia Lombardo. Cuatro actores jovencísimos y de una energía y un talento que sorprenden. Y un montaje que a puro ritmo e ideas vuelve a hacer girar con precisión el mecanismo.

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JAVIER DAULTE

Cuando escribí la primera versión de ¿Estás ahí?recuerdo que me propuse, en primer termino, un experimento. Ese experimento tenia que ver exclusivamente con el arte del actor y con las enormidades escénicas que es capaz de generar. Quería ver hasta donde un actor podía sostener una narración estando solo en el escenario, y que aun así el espectador no tuviera la sensación de estar viendo un monólogo.

Al leer los primeros borradores de Fin del munditode Gerardo Chendo, tuve la sensacion de que la búsqueda estaba orientada en la misma dirección. No podía ser de otro modo al ser Chendo mismo, antes que nada, un actor. Pero lejos de conformarse con un simple ejercicio dramatúrgico para dar rienda suelta al malabarismo de la actuación, la historia busca un más allá. Desde la perspectiva de ese encerrado, protagonista de la historia, se entreven acontecimientos enormes que afectan a todos. Pero en la vivencia del ser individual, el fin del mundo no es otra cosa que un renacimiento, la captura de una nueva subjetividad, a través de un encuentro honesto y desesperado con uno mismo.

Título: “El rey se muere”

Autor:Eugene Ionesco Adaptación Jorge Schussheim – Lia Jelin

Género / duración: Comedia del absurdo – 75 minutos

Personajes: Tres femeninos y tres masculinos.

Dirección: Lia Jelín

Website Facebook

2011 viernes y sabado 20 hs / TEATRO- CC Cooperación – Av Corrientes 1543  Buenos Aires $ 70

La obra del creador del teatro del absurdo Eugene Ionesco narra las peripecias del Rey Berenguer, un peculiar monarca con dos esposas a quien su médico informa que en una hora -al finalizar el espectáculo, aclara- se va a morir.

NOMINADA Premios Teatro del mundo 2011  Mejor Vestuario Maria Oswald / Mejor Fotografía Agustina Perreta

Con

Omar Calicchio – Rey Berenguer 1º

Valeria Lorca – Margarita, primera reina

María Rojí - Maria, segunda reina (También Heidi Steingardt)

Gabriel Rovito – Médico, brijo, astrólogo

Matias Straffe – El Alabardero

y Agustina Cerviño – Asistente, enfermera, Julieta, pueblo

Musica en vivo Octavia Bevilacqua

Escenografía y vestuario Maria Oswald

Iluminación Pedro Zambrelli

Fotos Agustina Perreta

Diseño Grafico Andres San Martin

Producción Ejecutiva Pablo Silva

Asistencia de vestuario Natalia Kesselman

Asistencia Santiago Lagos, Aldana Muzon, Eduardo Colque, Eliana Sanchez

Asistencia de dirección Tony Chavez

Dirección Lia Jelín

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Lo primero que me atrajo de El Rey se Muere, es su carácter desopilante frente a la tragedia.

Claramente mi intención es destacar el tono extremadamente cómico en el que Ionesco plantea la situación, casi como en un vaudeville en el que los personajes salen y entran permanentemente.

La angustia existencial que causa el inexorable escurrir del tiempo, obliga al Hombre/Rey/Dios a pedir ayuda al exterior de sí mismo, en este caso, al pueblo.

Dado el fracaso de este pedido de ayuda, el protagonista sólo atina a encapricharse y comportarse infantilmente (quiero esto, quiero lo otro, quiero lo de más allá… y quiero que todo lleve mi nombre).

En su desesperación el Rey le pide auxilio al sol y a los muertos, aferrándose a los Astros y a los difuntos, creencias en las que el Hombre/Rey/Dios se refugia frente al hecho consumado.

La obra sigue evolucionando. Marca la pérdida del deseo, la confusion frente la vacío de poder. El alabardero ennumera ya no los logros de un solo hombre, sino de toda la humanidad, mostrando que el problema del rey es el de todos.

Julieta enfrenta al Rey a María, el amor y a Margarita, la muerte.

El medico-adivinador-científico-astrólogo-verdugo comprueba que el rey ya no ve, como idea contraria de que Dios nos ve a todos, es decir, a nadie. Y que estamos solos y que la desaparación del Rey/Dios, del poder, del amor y de la vida es inexorable.

Pero desde esta realidad actual latinoamericana podemos leer también la metáfora como el derrumbe de las estructuras paradigmáticas que defininieron durante dos siglos a nuestra región: fin de los partidos tradicionales en Brasil o Venezuela; mujeres presidentes en Chile y en la Argentina; un aborigen terminando con el ciclo inacabable de oligarquía y golpes militares en Bolivia; el desencuadramiento en casi todo el subcontinente de las políticas económicas norteamericanas, etc.

Esta lectura permite establecer un simbolismo en el que el rey y su muerte representan al cambio político y a la decadencia de las instituciones, simbolismo que tiene al alabardero como efigie de las viejas y rígidas creencias y tradiciones; al primer ministro como ícono de los políticos acomodaticios; a Julieta como al pueblo, y a ambas reinas como al amor y al desamor por ese poder que muere, aunque y paradojalmente es la reina jóven la que defiende eso y la reina vieja, más sabia, la que acompaña al rey hasta su momento final.

Lia Jelin

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EL AUTOR

Eugene Ionesco

Autor teatral, máximo exponente del teatro del absurdo. Nacido en Slatina, Rumania, el 26 de noviembre de 1912, Ionesco pasó su infancia en París, aunque volvió a Rumania cuando contaba trece años. Aprendió francés en Bucarest, antes de regresar a París en 1938 para escribir. Sus obras teatrales describen la ridícula y fútil existencia humana en un universo totalmente impredecible, en el cual, debido a sus innatas limitaciones, las personas son incapaces de comunicarse unas con otras. Su pesimismo forma parte de la base del teatro del absurdo, un movimiento teatral que se lamenta de la falta de sentido de la condición humana. A pesar de las serias intenciones de Ionesco, sus obras rezuman humor y son ricas en situaciones cómicas. Movimiento de vanguardia, especialmente al introducir las obras de un sólo acto, los autores del teatro del absurdo utilizan técnicas tales como el ambiente sofocante, el lenguaje sin sentido y las situaciones ilógicas para enfatizar la extrañeza y el aislamiento humanos. La cantante calva (1948) es una sátira que exagera algunos aspectos de la vida cotidiana con el fin de demostrar la falta de sentido del personaje. Éstos forman un gran galimatías al hablar y se muestran incapaces de comunicarse unos con otros. Ionesco utiliza esta misma técnica recitativa en La lección (1950), en la cual, un profesor lunático asesina a sus alumnos. En esta obra toca el tema del miedo a la muerte, que formará parte inseparable de sus últimos trabajos. En Las sillas (1952) dos ancianos hablan con dos personajes inexistentes. Amadeo o cómo salir del paso (1953) trata de una pareja dentro de la cual los sentimientos que una vez tuvieron el uno hacia la otra, muertos ya, van produciendo un cadáver que crece amenazadoramente hasta que consigue rodearlos a ambos. El nuevo inquilino (1956) se centra en un personaje confinado en el espacio de un sillón. En El rinoceronte (1959), la obra quizá más conocida de Ionesco, los habitantes de una pequeña ciudad se transforman en rinocerontes. El personaje principal, prototipo del hombre normal al comienzo de la obra, va siendo apartado de la vida de la pequeña sociedad de su ciudad a medida que lucha contra el conformismo de sus habitantes. La sed y el hambre (1964) retrata a un hombre que, hastiado por un estable matrimonio, busca satisfacción por doquier, aunque sin éxito alguno. Entre las demás obras de Ionesco hay que citar El rey se muere (1962) y Macbeth. Ionesco fue nombrado miembro de la Academia Francesa en 1970. Escribió asimismo textos acerca del teatro, memorias, y la novela El solitario (1974)

Nominado a los Premios ACE 2011 rubro REVELACION por LOS INVERTIDOS, nos cuenta su experiencia de interpretar a un joven abogado de proncipio de siglo en esta tragedia de  José González Castillo (en el papel que consagró a Antonio Grimau, hace más de 20 años)

1 ¿Cómo llega “Los invertidos” a vos?

A través de Mariano Dossena, el director, quien me propuso a fines del año pasado unirme al elenco para interpretar al Dr. Flórez. Sabía del proyecto y me sentí muy honrado al haber sido convocado para ser uno de los protagonistas. Conocía la carrera de Mariano, y el año anterior habíamos coincidido haciendo dos espectáculos en paralelo (él con “El tiempo y los Conway” y yo con “Los 7 locos”) en el teatro C.C. de la Cooperación.

2 ¿Qué te pareció el texto, tu personaje?

Conocía bien el texto. Muchos años atrás uno de mis maestros de actuación me había regalado una edición que contenía, además, unas notas sobre la puesta en escena de Alberto Ure, que no llegué a ver, pero de la que siempre oí hablar como una gran versión escénica. Desde entonces me resultó una obra muy atractiva, y me sorprendía el hecho de que no se realizara después de tantos años. Mi personaje, el Dr. Flórez (padre de una familia aristocrática de la década del ’10) vive su doble vida como una tragedia, debatiéndose entre lo que debe hacer y lo que le ordenan sus deseos, sus instintos más profundos.

3 ¿Cuál fue el mayor desafío?

Bueno, encabezar un clásico de nuestro teatro, con el precedente de la recordada puesta de Ure, es una responsabilidad muy grande. También lo es traer hoy una historia que fue tan controvertida en su época (la obra fue censurada a la semana de estrenarse, en 1914) para darle una nueva visión, demostrando la vigencia de su temática. Y actoralmente, el gran desafío para todos fue meternos en la piel de éstos personajes, en sus formas tan anticuadas de pensar, en sus estructuras tan distintas a las nuestras.

5 ¿Cómo se trabajo la propuesta?

Mariano nos propuso transitar la obra colocando el énfasis no en la temática homosexual, sino en la trágica historia de amor que viven los tres protagonistas: el Dr. Flórez, su mujer Clara (Maia Francia) y su amante Pérez (Fernando Sayago). Es casi un triángulo “chejoviano”: nadie está con quien realmente quiere estar. Es lo mismo si fueran relaciones heterosexuales, y esto hace que el componente de lo prohibido, de lo mal visto socialmente, le agregue un grado de desesperación y encierro a cada uno de ellos.

6 ¿Cuál es tu sensación previa, qué pasará con el producto?

Hemos puesto mucho compromiso tanto a nivel profesional como humano, y estoy convencido de que la obra tiene muchos puntos fuertes. Ha sido cuidada en todos los aspectos, desde el vestuario y la escenografía, ambas de la mano de Nicolás Nanni; hasta la música original de Diego Lozano. El elenco es estupendo, un compilado de grandes actores y extraordinarias personas. Mariano sabe exactamente lo que quiere contar y cómo, el proceso ha sido muy placentero y hay una energía muy fuerte por parte de todos. Creo que va a ser muy bien recibida.

7 ¿Qué otra cosa estás haciendo?

Estoy trabajando en “La importancia de llamarse Ernesto”, la obra más famosa nuestro querido Oscar Wilde, bajo la dirección de Hugo Álvarez. Con ésta obra Hugo reabrió su histórica sala Corrientes Azul. Allí interpreto a Algernon, un personaje completamente apuesto al de “Los invertidos”: un joven de la nobleza que vive sin ninuna obligación que le impida seguir sus instintos de placer.  He sido muy afortunado al participar al mismo tiempo de dos proyectos tan diversos y poderosos.

“Los invertidos” todos los sábados a las 23hs en El Extranjero (Valentín Gómez 3328).
Gracias a Revista VEAMAS

Título: “Negro sobre blanca”
Autor: Mabel Loisi
Género / duración: Drama – 70 minutos
Personajes: Dos personajes una femenina, un masculino, de tez morena
Dirección: Julio Baccaro

JULIO: Domingos 2030 hs TEATRO TALLER DEL ANGEL – Mario Bravo 1239 – Buenos Aires – Tel: 4963-1571
$ 40,00 – Desde el dom 10/07/2011

Un hombre negro, una mujer blanca

El director Julio Baccaro estrena nueva obra “Negro sobre blanca”

Con Anahí Martella y Moreno Martínez, un hombre negro, una mujer blanca. Un deseo, una negativa, un amor.

Libro: Mabel Loisi

Dirección: Julio Baccaro

Jueves  21.00 Hs.

Teatro Del Pueblo

Av. Roque Sáenz Peña 943 tel. 4326-3606

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Sinopsis

Dadou, una pupila del prostíbulo de Madame Safó, recibe la visita de un hombre negro, Raúl Grigera (famoso personaje de la época, “amigo” de los “niños bien”).

La “cocotte de lujo” se niega a atender al hombre y él la enfrenta con insistencia, con una seducción desconocida, con una potencia inusual que desnuda con toques sutiles la diferencia de clases y la libertad de los esclavos, a través del tango y candombe. El deseo, el rechazo y la contradicción son la sal de la vida.

Una obra que cuenta una simple historia de amor en la Argentina del
siglo XIX, en el marco de una profunda investigación histórica y una
historia real, presentada en 2011, año internacional de los afrodescendientes.

Ficha Técnica

Moreno Martínez: Raúl Grigera

Anahí Martella: Dadou (pupila del prostíbulo)

Dirección: Julio Baccaro

Autora: Mabel Loisi

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Musica Luis Viola

Coreografía Leonardo Haedo

Fotos Magdalena Viggiani

Diseño Grafico Pablo Hulgich

Asistencia Vicky Lagos

Asesoramiento histórico Pablo Sirio

Producción Ejecutiva Pablo Silva

Funciones: Jueves 2030 hs

Venta de entradas: $ 50

Prensa y comunicación: Tommy Pashkus Agencia

Por mayores detalles:

Santiago Satz

santiago@tommypashkusagencia.com

Tel: 4832-5575

“Aballay” –un hombre sin miedo – de Fernando Spiner, se presentó en Pinamar y los aplausos colmaron la sala

Este imparcial cronista volvió a ver como el Festival Pantalla Pinamar recibe con júbilo a uno de los hijos dilectos del cine argentino:  Fernando Spiner.  Uno de los directores más creativos de nuestro cine que ha trabajado ampliamente en otros rubros como la televisión (Bajamar) el video clip, y en algún momento que llegará pronto también el teatro. Es un hombre de gran coraje que arriesga en nuevos géneros, siempre con un prolijo trabajo de cámaras y encuadre, solidos guiones y buenos actores. Así llegaron La Sonambula y Adios querida luna, sus films anteriores.

Aquí  Spiner se basa en un cuento del potente y relegado escritor argentino Antonio di Benedetto (el autor de la majestuosa Zama) y lo transcribe con precisión y maestría, ayudado por Javier Diment y Santiago Hadida. Di Benedetto, preso en la última dictadura militar, escribe su cuento Aballay desde la cárcel en 1978, en cartas que envía a un amiga que recolecta los textos con los cuales luego se arma su libro de cuentos “Absurdos” que contiene el que da origen al film. La historia de un hombre que cambia. Un gaucho malo, y asesino, que impactado por la mirada de un niño que vio como asesinaba a su padre, cambia… Y alentado por las palabras de un cura –el puma Goity en un rol pequeño y potentísimo- decide exilarse de la tierra, subiéndose, como hacían los anacoretas estilitas  en sus columnas de penitencia, a su caballo, y no bajarse nunca mas de él, creando una leyenda, un hombre santo y venerado. Culpa y penitencia.

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“Siempre piensa en el gurí que le hincó la mirada.

Pasan años. Un día se encuentra con esa mirada.

Sabe que el niño, hecho hombre, viene a cobrarse.

Lo ha seguido el mozo. Lo topa en el cañaveral.

Podría parecer un santón de poca edad, en digno caballo. Trae templados los ojos, pero decididos. Igual que Aballay, está en harapos.

Le comunica:

- Lo he buscado.

- ¿Mucho tiempo?

- Toda mi vida, desde que crecí.”

Un western gauchesco, con asesinos, exilados, soledades, muerte, polvo  y sangre. Pero quien es el que cambia aquí? Cambia Spiner, que se acerca al gran público? Cambia Pablo Cedron, al no bajarse del caballo? Cambia Nazareno Casero, convirtiéndose en un niño-hombre en busca de venganza? O cambia Moro Anghileri rebelándose ante su destino? O cambio yo, al ver esta película? O cambiarás vos también, al verla?

Di Benedetto ya no tiene tiempo de cambiar, llevado a algún lugar lejano por la muerte, pero lo que es peor, por el olvido. Spiner se propone regresarlo, y lo logra. Su film, recorre el polvo de los paisajes tucumanos y da rienda suelta a su capacidad como narrador de historias.

Spiner cambia, aportando su mirada irónica, verdadera, a un género…casi  inexistente pese a los antecedentes gauchescos (Demare, Fregonese, Favio)a los que no se acerca demasiado y si quizás mas a un Sergio Leone, como un pariente lejano al que se respeta y admira, aportando su giro extraño, propio, original, como lo son sus versiones –hasta silbadas- de La marcha de San Lorenzo, incluidas en su película.

Moro Anghileri se encamina con fuerza irrefrenable a un cambio en su nivel de popularidad, apostando a todas las nominaciones posibles, en un rol impecable, furioso, estremecedor.

Y esperemos que todos cambiemos, como propuso Di Benedetto, desde su exilio impuesto, ante la mirada de un niño. Y festejemoslo.

Pablo Silva

http://www.aballaypelicula.com.ar/

Título: “INSOMNIO DE AMOR”
Autor: Tatiana D’Agate
Género / duración: Comedia romántica – 60 minutos
Personajes: Dos personajes, masculino y femenino, jóvenes. Carla Maieli y Damian Valgiusti. Una participación especial, masculina joven (Tony Chavez)
Dirección: Tatiana D’Agate

Website: Insomnio de Amor
2011 LACLAC  Av Mayo 1156 Buenos Aires, VIERNES 21 hs  2da temporada!

Los peligrosos enamorados del amor. En sus cabecitas voladas la realidad y la fantasía se entremezclan con suma veracidad, seres que viven para lo efímero, dos copados. Se enamoran, se pelean, se confunden, básicamente: histeriquean. Una historia de amor que habla de nada, en donde no sienten nada…

Texto y Dirección: Tatiana D’Agate

Actúan: Damián Valgiusti y Carla Maieli.
Participación especial: Tony Chavez

Asistencia de Dirección: Fabiana Servidia
Escenografía: Juan Pablo Solito y Brenda Ruderman
Vestuario: María Victoria Azzaro
Video: Daniela Reboiras
Edición de video: Martín Farina
Diseño sonoro: Diego Lozano
Música: Kinki
Fotos: Victor Gonzalez
Diseño gráfico: Josefina Córdoba
Colaboradores artísticos: Silvina Granero y Esteban Prieto

Supervisión dramatúrgica: Ariel Barchilón

Producción general: Pablo Silva

Título: “DINERO – Heptalogía”
Autor: Héctor Levy-Daniel
Género / duración: Drama – 70 minutos
Personajes: Seis actores, para siete obras cortas, 22 personajes en total.
Dirección: Clara Pizarro – Héctor Levy-Daniel

Website: Grupo DINERO en Facebook

Teatro Patio de Actores – Lerma 568, Reservas 4772-9732 Buenos Aires

Luego de la exitosa experiencia de dirección conjunta en Las mujeres de los nazis, Héctor Levy-Daniel y Clara Pizarro presentan esta pieza de Levy Daniel, dirigida en conjunto, compuesta por siete obras breves. Siete estéticas y poéticas diferentes alrededor de la temática del dinero. ¿cómo afecta la ambición o la escasez los vínculos interpersonales? Un sólido elenco integrado por Anahí Martella, Jessica Schultz, Pablo Vascello, Graciela Clusó, Giselle Lousek y Enrique Papatino son los responsables de darle cuerpo a estas historias. Luego del estreno de Dinero en Buenos Aires, Levy Daniel viajará invitado a Polonia para participar del congreso de dramaturgia “tan cerca y tan lejos, drama y teatro hispánicos de los últimos 100 años”, a realizarse del 10 al 12 de junio en la ciudad de Lods, donde se presentará una ponencia sobre un trabajo suyo.

DINERO – Heptalogía

De Héctor Levy-Daniel

Con Anahí Martella, Jessica Schultz, Pablo Vascello, Graciela Clusó, Giselle Lousek y Enrique Papatino.

Coreografía y Diseño Objetos Teresa Duggan
Música Sergio Vainikoff
Fotos Gianni Mestichelli
Vestuario Nicolás Nanni
Prensa Simkin & Franco
Diseño de Luces Marco Pastorino
Producción Ejecutiva Pablo Silva
Asistencia de Producción Vicky Lagos
Asistencia de Vestuario Belen Ficarra
Asistencia de dirección Maribe Lancioni

Dirección Clara Pizarro y Héctor Levy-Daniel

Título: “RELAJADO”
Autor: Martin Rocco
Género / duración: Comedia – 60 minutos
Personajes: Un masculino
Diección: Carlos Belloso
RESERVA ENTRADAS CON DESCUENTO, por Alternativa Teatral AQUI

Website FACEBOOK: Grupo RELAJADO
viernes 2030 hs -  Teatro del Nudo Corrientes 1551 Reservas 4373-9899 Buenos Aires 2010

Obra en 5 escenas, 4 monólogos y 3 sueños

de

Martín Rocco

Relajado

Obra unipersonal de y por Martín Rocco

Musica Original Diego Lozano

Voz en OFF Coco Sily

Producción Pablo Silva

Dirección Carlos Belloso

IDEA:

Se trata de una obra sobre un show. Una especie de obra dentro de otra obra, o show de humor con parte del “making of” o “backstage”, donde las realidades y miserias del detrás de escena quedan expuestas y se pueden cotejar con lo que pasa luego en el “escenario”. Como en un restaurante con la cocina abierta al público.

POR QUÉ UNA OBRA ASÍ:

Se trata de proveer una visión más abarcadora de las peripecias de un humorista que va a realizar una presentación en un show con otros artistas. La idea de que sea un unipersonal es poder crear todos los personajes en escena y fuera de ella con la precisión necesaria para que sean orgánicos al show que se desarrolla durante la obra.

EL DESAFIO:

Es la primera vez que se realiza una obra de estas características sobre un show de humor, en la que hay una historia que se desarrolla en paralelo con lo que va sucediendo en el escenario.

El público asiste a un show de stand up en un boliche de barrio, con cuatro humoristas diversos. El que cierra es el conocido humorista Martín Rocco, pero también vemos lo que sucede en el camarín entre artista y artista, dándole a la obra en conjunto un grado de mayor intimidad, casi como si fuera un documental sobre el detrás de escena de un show. El desafío mayor es que todos los personajes son interpretados por Martín Rocco, incluyéndolo a él mismo.

LA PRODUCCION:

El escenario se divide en dos: el camarín y el escenario del show. La acción se divide entre la situación que vive en el camarín Martín Rocco y los números que se suceden en el escenario, hasta llegar su propio turno en escena. Esto plantea desafíos en cuanto a la valorización de los espacios y los tiempos de cambios de personajes.

LA DIRECCION:

La idea de convocar al prestigioso Carlos Belloso fue otorgarle a la puesta su visión narrativa y creatividad, basadas en incontables trabajos unipersonales de gran calidad y aportar todo su conocimiento y experiencia en la construcción de los personajes que la componen.

OBJETIVOS:

En lo personal: el desafío de crear un show completo con cuatro humoristas desde el texto a su interpretación y a la vez mostrar facetas de actuación que generalmente no transito.

En lo general: Plantear una obra divertida, y reveladora a la vez, sobre la vida cotidiana y el trabajo de un artista que se dedica principalmente a la disciplina del humor hablado, pero mostrada desde una visión más completa y original, todo con un show de humor completo incluido y por el mismo precio.

La idea es presentar un poco el cómo….  Y antes empiezo, muy leve, con el por qué…

Porque producimos teatro independiente? Porque el hombre es un animal que circula en manadas… Instinto gregario (1 Se aplica al animal que vive en rebaño o en grupo: las ovejas son animales gregarios./2 Se aplica a la asociación entre individuos no necesariamente emparentados que se unen con diferentes fines. 3 Se aplica a la persona que no tiene ideas e iniciativas propias y sigue siempre las del grupo al que pertenece.)

Entonces quedamos atrapados en una dicotomía que nos da la identidad. Gregarios, grupales andamos y producimos, somos… individuales, narcisistas, socioconsumistas, nos volvemos…

El teatro independiente -digamos C- surge como diferenciado de lo que hoy entendemos como A: teatro público-estatal (Teatro San Martin, Teatro Cervantes, etc) y B: el teatro comercial (Calle Corrientes, grandes marquesinas, fuertes campañas publicitarias, nombres consagrados en diferentes ámbitos)

En este triángulo, nosotros venimos a ser la C, los chicos…los hijos… El padre sería el Estado, la Madre esa diosa fortuna que comercia, nosotros los pequeños que los rodeamos a sus pies…

Independientes, off-corrrientes, underground, nos movemos en el panorama que se inaugura a partir de ciertas banderas que levantaron nuestros antecesores, cuando indignados por la programación estatal, “inventaron” el teatro independiente.

Bertol Brecht… Eugenio Barba, Meyerhold.

Los grupos que tuvieron mayor trascendencia en Argentina fueron Nuevo Teatro (1950, que llevaban adelante Alejandra Boero y Pedro Asquini), Los Independientes (1952, encabezado por Onofre Lovero), La Máscara (1939, con Carlos Gandolfo, Augusto Fernandes, Augustín Alezzo en los cincuenta y con la presencia de Hedy Crilla a fines de esa década), Teatro Popular Fray Mocho (1951, con la participación de Oscar Ferrigno, Agustín Cuzzani y Osvaldo Dragún). Y el ícono que se cristalizó como “la obra” propuesta por el Teatro Independiente, que fue El puente, de Carlos Gorostiza, que el Teatro de La Máscara puso en escena en 1949.

Me gusta tomar la idea mítica de la campana de Barletta en su teatro, en el año 30 llamando a la gente también como una forma de marketing primitiva  o no tanto… y la referencias al Teatro del Pueblo, Onofre Lovero, Gorostiza y su puente…1930, 1950, Buenos Aires, como ejes históricos.

Qué es producir? rentar, rendir, obtener, trabajar, elaborar, crear, realizar, ocasionar, originar, resultar, reportar, fabricar, hacer, suceder, provocar.

En relación a esto, pienso la producción de un hecho teatral como algún tipo de resistencia. Mancomunada, grupal… Equipo: autor, director, productor ejecutivo, actores, inversor, vestuaristas, escenografos, iluminadores, técnicos, agentes de prensa, comercializadores, fotografos, gráficos, imprenteros, músicos, realizadores, asistentes, volanteros…. es un hecho teatral-grupal.

No sé exactamente resistencia a que, y me resulta difícil definirla, como cuando se habla de teatro independiente. Sé que tenemos una ventaja…  el corazón. En ninguna de ambas formas anteriores, se pone tanto en juego lo emocional, los sueños, el deseo, como en el teatro independiente. Y es ventaja y desventaja al mismo tiempo. Moviliza, pero también provoca los mayores cortocircuitos. Otro aspecto, otra faceta, es que este grupo debe tener un fin que lo trascienda, generalmente asociado a una idea, a veces muy simple, pero eficaz y poética a la vez, sagrada. Que trascienda a todos sus integrantes y que este, de alguna manera, por encima de ellos, de todos ellos. Y los sobreviva. Hay algo de lo fugaz en lo teatral, que necesita ser balanceado digamos… El balanceo lo produce esa idea que nos sobrevuela. Todo esto… es casi inentendible, inaplicable en general, tanto para el teatro estatal, como para el comercial…

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En Polonia hay una pequeña compañía dirigida por un visionario, Jerzy Grotowski, que también tiene un objetivo sagrado. A su entender el teatro no puede ser un fin en sí mismo; como la danza o la música en ciertas órdenes de derviches, el teatro es un vehículo, un medio de autoestudio, de autoexploración, una posibilidad de salvación.

La interpretación es el trabajo de una vida. Entre actor y público existe aquí una relación similar a la que se da entre sacerdote y el fiel. Está claro que no todo el mundo es llamado al sacerdocio. Los actores de Grotowski ofrecen su representación como una ceremonia para quienes deseen asistir: el actor invoca, deja al desnudo lo que yace en todo hombre y lo que encubre la vida cotidiana. Este teatro es sagrado porque su objetivo es sagrado: ocupa un lugar claramente definido en la comunidad y responde a una necesidad que las Iglesias ya no pueden satisfacer.

El teatro de Grotowski es el que más se aproxima al ideal de Artaud.

Supone un modo de vida completo para todos sus miembros y contrasta con la mayoría de los otros grupos de vanguardia y experimentales, cuyo trabajo suele quedar invalidado por falta de medios. La mayor parte de los intentos experimentales no pueden hacer lo que desean debido a que las condiciones externas pesan demasiado sobre ellos: dificultades en el reparto de papeles, reducido tiempo para ensayar debido a que los actores han de ganarse la vida en otros menesteres, inadecuados locales, trajes, luces, etc. La pobreza de medios es a la vez queja y excusa. Grotowski hace un ideal de la pobreza: sus actores renuncian a todo excepto a su propio cuerpo, tienen el instrumento humano y tiempo ilimitado. No es, pues, asombroso, que se consideren el teatro más rico del mundo.

Escasos medios, intenso trabajo, rigurosa disciplina, absoluta precisión. Al mismo tiempo, y casi como condición, son teatros para una élite.

Podemos intentar captar lo invisible pero no debemos perder el contacto con el sentido común: si nuestro lenguaje es demasiado esencial perderemos parte de la fe del espectador. Como siempre, el modelo es Shakespeare. Su objetivo es siempre sagrado, metafísico, pero nunca comete el error de permanecer demasiado tiempo en el nivel más alto.

Peter Brook, El espacio vacío

—–

El grupo humano, cohesionado, unido y tras un objetivo claro, con reglas de comunicación establecidas y roles definidos, parece ser, en Argentina y en casi todo el mundo, la manera mas eficaz de responder al Cómo?

Coordinado por un líder carismático, con un objetivo creativo claro y común a todos los integrantes, con un sistema de producción posible, que resuelva el modo económico en que se desarrollará este equipo, y los colaboradores ocasionales, con un espacio y una buena estrategia de comunicación, tenemos un comienzo de un grupo para afrontar una aventura en el teatro independiente. El armado de un BARCO teatral. Con etapas previas -la preproducción- medias – el estreno- y posteriores – meses posteriores al estreno- y las extras -funciones, giras, festivales. Si el barco esta adecuadamente pensado en la preproducción, menos posibilidades de que entre agua en las siguientes etapas…  y llegar al primer puerto fundamental con alegría, el estreno.

La coordinación del barco estará a cargo del director, quien junto al productor ejecutivo, o el productor y sus asistentes, y los actores, delinearan los rumbos generales del barco. La cooperativas son los modelos legales más habituales para este tipo de asociaciones, y serán ellas las responsables finales de cada barco.

Nada es nuevo bajo el sol, y Eugenio Barba es uno de los que mas claramente influencia estas ideas. Y su respuesta, es que cada barco debe marcar su propia senda…

El mismo Barba es conciente -como lo fueran, en su momento, Artaud y Grotowski- del “peligro” que supone el potente condicionamiento que, sin proponérselo, sus actores ejercen sobre otros grupos y teatristas de esta tendencia en todo el mundo. Para eludir este riesgo el director italiano recuerda el principio fundamental de la “nueva praxis pedagógica” propuesta por la Antropología Teatral: la idea de “aprender a aprender”. Se trata de que, quienes inscriben su praxis en esta tendencia, no caigan en la tentación de imitar modelos y sean capaces de responder a sus propias búsquedas, practicando constantemente el autodidactismo a que los han conducido las circunstancias locales en que construían “su propio camino artístico y técnico” (Barba, 1987: 196).

-¿Qué define el teatro de grupo?

Barba: -Esta galaxia particular se define desde lo económico y desde sus valores, que marcan un modo de ser diferente al del teatro institucionalizado o subvencionado. La Comedia del Arte y el teatro isabelino eran compañías comerciales que necesitaban llenar el teatro para subsistir. Recién en el siglo XX, con personas como Stanislavski y Adolphe Appia, el teatro fue considerado un arte, porque el actor debía crear de nuevo, desde cero, en cada obra. El teatro -simbolista, político o didáctico- tenía que poseer una trascendencia, quedar en la memoria de los espectadores. Quien decide hacer teatro tiene la conciencia de que debe hacer algo más que entretener. De modo que, desde que se operó ese cambio en relación con considerarlo un arte, los valores han pasado a definir el teatro contemporáneo. Pero esto no significa que ese teatro no debe gratificar al espectador. Es fundamental que no lo aburra sino que, por el contrario, lo llene de sorpresas, que le ofrezca un contenido intelectual, que lo haga reflexionar. Ahora, que el teatro sea un hecho artístico, eso no quita que debería posibilitar la autonomía económica del actor.

Esto traería otro tema, un océano en si mismo diría, que es cómo resolver los aspectos económicos de estos grupos humanos. Amén de los subsidios del estado (Proteatro, etc), con los que la relación estado- teatro independiente se vuelve en parte condicionante, y la independencia, relativa…

Tomo entonces, casi como reflexión final, algunas ideas que me gustaría compartir:

Berta Goldenberg señaló a la revista Picadero que  para ser independiente se debe cumplir con:

* hacer teatro sin las presiones del mercado.

* elegir el repertorio, el procedimiento, el estilo, de acuerdo a la propia convicción sobre el valor artístico, e incluso ético, de lo que se producirá.

* no permitir que consideraciones sobre ‘taquilla’, ‘lo que está de moda’ o ‘lo que vende’, definan la línea estética ni la ideológica del grupo y/o espacio.

* luchar por la continuidad de los grupos de trabajo, en espacios propios, como condición para un desarrollo artístico y profesional autónomo.

* difundir su concepción del teatro como un bien cultural, como una expresión artística en que el público identifique sus propias necesidades de concentración y búsqueda más allá del pasatiempo y el zapping.

La búsqueda de ejemplos de teatro independiente en la actualidad se vuelve cada vez más dificultosa, influye en ella diversos factores que hacen tanto a los nuevos modelos económicos-sociales instaurados desde el poder, como a factores internos o declinaciones que hacen a los propios grupos de teatristas. Entre esos factores podemos mencionar:

* Pérdida de la capacidad para la autogestión. O de la confianza en la autogestión.

* Disolución del concepto tradicional de grupo, que suponía continuidad en el tiempo y en el espacio.

* Deterioro de la mística laboral y del teatro entendido como un compromiso, primero, con uno mismo.

* Pérdida de una ideología definida y de aquellos “principios estéticos irrenunciables”.

* Búsqueda permanente de subsidios, que termina interfiriendo en los tiempos y modos de producción del grupo y, por otro lado, no siempre garantiza beneficios estéticos para el espectáculo acabado.

* Falta de reflexión acerca de la propia actividad y de participación en eventos que trabajan sobre su problemática.

* Pérdida del espíritu crítico y por lo tanto de la autonomía.

Estas consideraciones finales, hablan de varias dificultades que debemos afrontar, para mi , la mayor sería  lograr que el grupo permanezca  a través del tiempo… Parece casi imposible de lograr, pues a excepción de Los Macocos, hasta los Beatles fracasaron. Pero también habría que plantear otras variables de esfuerzos focalizados y segmentados en el tiempo. Mas la variable líder carismatico, mas una poética enmarcadora, mas el tema resoluciones económicas, etc etc.

Mas allá de estas reflexiones,  algunas quizás no precisamente optimistas -pero son parte también de los aspectos que debemos pensar y reflexionar sobre nuestra propia producción- , yo sigo creyendo que las posibilidades que tiene un grupo humano unido son insospechadas, casi ilimitadas… y pienso que el dinero no es una barrera contra la cual no se pueda luchar… Sólo es, un obstáculo mas entre los múltiples que aparecen y aparecerán… Todos posibles de vencer… La cantidad de estrenos y grupos que siguen ensayando y estrenando en Buenos Aires (unos 500 espéctaculos por año…) parecen darnos la razón. Muchas gracias.

Pablo Silva, Charla en la UP, Septiembre 2010 / Jornadas sobre producción teatral, junto a Damian Zaga, Gustavo Schraeir, y Lorenzo Juster.

Dustin Hoffman baila flamenco de la mano de la argentina Celina Zambon

La actriz y bailaora de flamenco argentina Celina Zambon, radicada en Los Angeles, California participó en la tercera parte de la saga cómica de la familia Fockers -Meet the parents-”El padre de la novia” llamada “Little Fockers” con estreno previsto para el próximo el 6 de enero y protagonizada por Robert de Niro, Ben Stiller, Barbra Streisand y Dustin Hoffman.

En esta película el personaje de Dustin Hoffman baila flamenco, por eso Celina se encargó de ser la couch del prestigioso actor que enseguida tomó ritmo desde la primera clase; y además  participó como actriz en el pequeño rol de la bailaora “Carmencita”.

Celina emigró hace varios años, luego de trabajar varias temporadas en Much Music como VJ, con su programa “Loud”, y hacer en teatro “Confesiones de mujeres de 30″, o en cine “El mismo amor.. ” de Campanella. En Los Angeles dirige su propia compañía de flamenco CZ Flamenco Company y planifica venir a Buenos Aires a mediados del 2011 con su show de flamenco “DUENDE” y también con la obra de teatro “Cambiemos los Papeles” de Ardiles Grey producida por Pablo Silva (para Silva Producciones).

Mejor Comedia Musical

¿Quién no recuerda Abbraciami forte, Parole Parole, Dio come ti amo, Ritornerai, Come prima…? Éstos y tantos otros éxitos de las décadas del 50, 60 y 70, los mismos que nos divirtieron y enamoraron, se entrelazan en la trama de L’ora italiana.

La Sociedad General de Autores de la Argentina, ARGENTORES, acaba de distinguir al texto de Kado Kostzer y Sergio García-Ramírez de L’ora italiana, como la Mejor Obra de Teatro Musical del 2009. El jurado estuvo integrado por Susana Torres Molina, Jorge Dubatti y Francisco Javier.

Gracias!

El espectáculo se estrenó en el Centro Cultural Caras y Caretas ( Agradecemos a Elida Martinez y todo su equipo) y contó con la actuación de Ana María Casó y Julio López, los cantantes Paula Castignola y Ramiro Moreno Hueyo, los músicos Augusto Iacono y Julio César Vita, las voces de Edda Díaz y Marcelo Mazzarello. Coordinación musical: Paula Castignola. Prensa: Debora Parodi-Fernando Chamot. Dibujos: Carlos Garaycochea. Producción ejecutiva: Pablo Silva. Escenografía y vestuario: Sergio García-Ramírez. Puesta en escena y dirección: Kado Kostzer. GRACIAS A TODOS! Un agradecimiento especial a Gustavo Castignola y la Casa de Arte Doña Rosa -Quilmes-.

FESTIVAL del AMOR –Febrero 2011 San valentin

Festival – jóvenes dramaturgas – y obras que tienen como eje temático el AMOR

Festival – jornada que transita por el tema del teatro independiente y la elección de temáticas relacionadas con el amor en las jóvenes dramaturgas.

Vamos a inaugurar este CICLO del AMORcon una charla, en una sola jornada, donde las jóvenes dramaturgas cuenten sus experiencias y sus razones de sus elecciones temáticas de cada una de sus obras: en la mesa participarán Sol Pavéz (Quizas…), Eloisa Tarruella (Amorar), Tatiana DAgate (Insomnio de Amor) y la presencia de la consagrada escritora Ana von Rebeur (Nadie plancha como yo y otros libros), coordinadas por Pablo Silva y Juano Villafañe. Luego se dialogará con el publico y al final del evento se sorten un par d eentradas para cada una de las obras.

La charla se lleva a cabo el Viernes 4 de febrero 19 hsCHARLA INAUGURACION / Libre y Gratuita / Teatro CC Cooperación, Av. Corrientes 1543, Buenos Aires.

Luego, TODOS LOS SABADOS 2030 hs en el Teatro COOPERACION:

Las obras se verán durante los 4 sábados de febrero 2030 hs, en el Teatro Cooperación, entradas $40.

Sabado 5, 12, 19 y 26a las 2030 hs en la Sala Pugliese.

Sabado 5 de febrero- 2030hs:INSOMNIO DE AMOR con Damian Valgiusti, Carla Maieli y Tony Chavez.

Sabado 12 de febrero- 2030 hs: AMORAR de Eloisa Tarruella, con Julio Bambill y su autora y directora.

Sabado 19 de febrero 2030 hs: QUIZAS… con Sol Pavez y Pablo Cerri

Sabado 26 de febrero 2030 hs: NADIE PLANCHA COMO YO con Valeria Kamenet.

Habrá combos de entradas disponibles en boletería del Teatro Cooperación.

Mas info sobre cada obra enwww.silva.com.ar / contacto  info@silva.com.ar

Gracias a los que coinciden en nuestra idea acerca de que la producción unicamente es posible si se la entiende como una verdadera tarea grupal, gracias a todos aquellos que nos brindaron su apoyo, su tiempo, su esfuerzo y su inteligencia en este 2010:

Martin Rocco, Valeria Kamenet, Martin Wolf, Gianni Mestichelli, Pablo Vergottini, Silvina Pizarro, Mercedes Aleman, Roberto Bisogno, Ariela Mancke, Marcela La Salvia, Antonela Bisogno, Carlos Rivadero, Carlos Belloso, Coco Sily, Cristina Trimboli, Cristina Constanzo, Diego Lozano, Sergio Prota, Lorena Booth, Adriana Antonutti, Sebastian Blutrach, Rossana Del Rosso, Tommy Pashkus, Santiago Satz, Ariel Benitez, Rodrigo Cardenas, Micaela Hourbeigt, Maria Espinosa, Fito Yanelli, Damian Valgiusti, Maria Azzaro, Juan Pablo Solito, Brenda Ruderman, Martin Farina, Victor Gonzales, Fabiana Servidia, Carolina Alfonso, Ariel Barchilon, Francisco Dalmasso, Pablo Cerri, Sol Pavez. Mariana Ron, Pablo Calmet, Christian Gadea, Santiago Fracarolli, Jonathan Esquivel, Alejandro Kauderer, Claudio Chaffone, Celeste Gentile, Gerardo Grillea, Santiago Lavia, Marina Munilla, Ruth Correa, Leandro Ciaffone, Jorge Capodistrias, Liliana Caruso, Héctor Levy-Daniel, Graciela Cluso, Anahi Martella, Giselle Lousek, Enrique Papatino, Jessica Schultz, Pablo Vascello, Nicolas Nanni, Teresa Duggan, Marco Pastorino, Sergio Vainikoff, Belen Ficarra, Fabiana Ferro Volpe, Paula Sinkin, Daniel Franco, Clara Pizarro, Maribe Lancioni, Carla Tarantino, Johanna Berman, Lucia Andreotta, Clara Diaz, Begoña Dominguez, Eva Gracia, Susana Hornos, Ruth Palleja, Imma Rabasco, Zaida Rico, Gonzalo de Otaola, Daniel Beniluz,  Pedro Zambrelli, Mariano Dossena, Ana von Rebeur y Juano Villafañe

Gracias!

A los que piensan, desde siempre, con nosotros: Marina Vollman, Gustavo Garzon, Alejandro Awada, Dalmiro Saenz, Alejandro Ullúa, Fernando Ulises Sureda, Marcelo Griess.

Gracias enomessss!! A un equipo fantastico:
Tatiana D´Agate – Coordinacion general- y nuestros productores: Carla Maieli, Tony Chavez, Maria José Urlezaga, Daniela Reboiras, Vicky Lagos, y nuestro webmaster Diego Gassi

Muchas gracias a todos, y FELICIDADES ! -

Pablo Silva

www.silva.com.ar / info@silva.com.ar

Título: “AMORAR”
Autor: Eloisa Tarruella
Género / duración: drama – 60 minutos

Personajes: Un femenino y un masculino, jóvenes

Website Amorar Blogspot

En el FESTIVAL DEL AMOR – Sabado 12 de Febrero 2030hs  – Teatro Cooperación – Av.Corrientes 1543- Buenos Aires / ABRIL: Buenos Aires

La obra teatral AMORAR escrita y dirigida por Eloísa Tarruella, con producción general de Andres “Gato” Martinez Cantó, y protagonizada por Julio Bambill (Ulises) y Eloísa Tarruella (Julia) se puede ver todos los viernes en Pan y Arte.
La sesión de fotos promocionales fueron realizadas por el fotógrafo Martín Gerardi, el diseño de vestuario y maquillaje a cargo de Rosanna Cristaldo.

La cadena de infinitos sucesos que en un tiempo y un espacio llevan a que dos personas crucen sus caminos, nos introduce en la simple y compleja historia de amor de Julia y Ulises. La inminente ruptura amorosa será el puente que nos llevará a transitar los distintos momentos vividos por la pareja. Un tiempo y un espacio subjetivo donde cada uno reconstruirá su personal relato de esta historia. El amor como fragmentos de un espejo roto, que se refleja dulce y cortante en la palabra, en la mirada, en los recuerdos. El sombrero rojo de Julia, la valija verde de Ulises, el café con leche en un desayuno, el vidrio rojo, la despedida en un domingo de lluvia definen a AMORAR. El amor en la mirada de Julia. El amor en la mirada de Ulises. La búsqueda incesante de rescatar el tiempo en una palabra.

EQUIPO DE TRABAJO

PRODUCTOR GENERAL: Andrés “Gato” Martínez Cantó

ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Nahuel Martínez Cantó

ENTRENADORA ACTORAL: Ludmila Rapoport

VOZ EN OFF DE VICTORIA: GAIA ROSVIAR

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Patricia Batlle

DISEÑO DE VESTUARIO, MAQUILLAJE Y PEINADO: Rosanna Cristaldo

MÚSICA ORIGINAL: Juan Matías Tarruella. Grupo Láudano

DISEÑO DE SONIDO: Adriano Mantova – Luis Corti

FOTOGRAFÍA FIJA: Martín Gerardi

COAUCH DE BAILE: Vicky Acevedo.

DISEÑO GRÁFICO: Julio Bambill /

DIRECCIÓN Y DRAMATURGIA: Eloísa Tarruella.

Productor Asociado Pablo Silva  Para  SILVA PRODUCCIONES, 2010

Imprimí esta pagina y presentala en la boletería hasta 15 minutos antes de la función

y obtené 2×1 (dos entradas por $30.-)

Si preferís, envianos un email aquí, con tu nombre y apellido y te incluimos en

la “Lista 2×1″ en la boletería, y te dejamos alli las entradas a tu nombre (las retirás en boleteria unos minutos antes del inicio de la función.

Título: “Nadie plancha como yo”
Autor: Ana von Rebeur
Género / duración: Comedia – 60 minutos
Sabados 20:30 hs
Teatro C.C. COOPERACION
Av. Corrientes 1543, $30, Buenos Aires

¿ Qué pasa cuando un sábado a la noche una mujer quiere salir y no tiene con quién?
En “Nadie plancha como yo” una mujer repasa su vida sentimental tratando de descubrir por qué está sola, qué falló en su búsqueda de tener un amor.

En este recorrido que ofrece carcajada tras carcajada, hombres y mujeres se sienten identificados ante la difícil empresa de buscar pareja.

Esta obra nos arranca tantas risas como reflexiones y nos permite reírnos de este difícil milagro que es encontrar a quién amar… ¡y que justo quiera amarnos!

De Ana von Rebeur, con VALERIA KAMENET, musica de Diego Lozano, producción de Pablo Silva y dirección de Mariano Dossena.

Título: “La casa de Bernarda Alba”
Autor: Federico Garcia Lorca
Género / duración: Drama – 80 minutos
Personajes: Ocho femeninos
Website LA CASA DE BERNARDA ALBA Blogspot
Viernes 13 de Agosto Teatro Cervantes – Presentacion de AEBA -Actores españoles en Buenos Aires- y función presentación para prensa e invitados

Texto
Federico García Lorca

Actúan
Lucía Andreotta, Clara Díaz, Begoña Domínguez, Eva Gracia, Susana Hornos, Ruth Palleja, Imma Rabasco y Zaida Rico

Dirección
Gonzalo de Otaola

PALABRAS DEL DIRECTOR

“Debía de tener unos nueve años cuando, no recuerdo bien las razones, pasé una larga tarde de otoño en el Parque del Oeste de Madrid. Corrimos, reímos, trepamos árboles, sudamos,…y entre juegos descubrí una bala enterrada en la tierra.
Para un niño que juega a las guerras, a disparar a los malos, e incluso a a veces a los buenos, que de todo hemos hecho de niños, y muy sanamente, por cierto, ya que no existe ni los unos ni los otros, aquel hallazgo era un tesoro. Eso sentí al principio.
Pero después de quitarle toda aquella tierra que la agarraba alrededor, una vez pude advertir el pulido metal del proyectil en la mano, la tarde se empañó con una sensación fría e incómoda como nube de tormenta.
Cerré el puño, como si quisiera hacer desaparecer algo que no terminaba de entender, y con ojos impresionados por imágenes de películas y fotos de archivo, reconstruí el paisaje que me rodeaba de acuerdo a una guerra que nunca viví.
Las zanjas de alrededor se convirtieron en trincheras, los pinos en defensas naturales, los truenos del chaparrón que se avecinaba, en ruido de morteros y metralla salpicando más muerte que chispas. También estaban los cuerpos. Tirados. Y la angustia, claro, que me acompañó todo el regreso a casa, y que no escapaba porque no pude abrir la boca, como tampoco pude dejar de apretar ese proyectil que ocultaba en la mano. Al menos hasta que una vez arropado en mi hogar, mi madre, tenía que ser ella, me preguntó qué me pasaba.
Le enseñé la bala, abriendo lentamente mi mano, con el absurdo temor de que se escapase con un chasquido y pudiera herirnos a todos. Le conté de mi pesar. Ella me acarició un hombro, me sonrió, de manera no del todo creíble, y me alentó explicándome que esa bala seguía sujeta al casquillo, que era una bala que nunca había sido disparada. Sentí un gran alivio, la verdad. Como si me hubiera quitado un muerto de encima, y nunca mejor expresado.
Decidí guardarla como amuleto de buena suerte, eso sí, bien encerrada en el fondo de un cajón que nunca abría. Y así lo hice durante un tiempo. Porque el simple conocimiento de su presencia me seguía perturbando.
Un día me deshice de ella. No recuerdo cómo fue. Y con razón, ya que esa bala de la Guerra Civil sigue incrustada en mi memoria. Nunca me he podido deshacer de ella.
Ni que decir tiene que en esa época no se estudiaba la Guerra Civil en las escuelas. Que nadie hablaba de ello. Ni siquiera mi madre, a la que siempre le gustó hablar de todo. ¿Qué podía saber un niño de todo eso? Poco, o nada realmente. Ese proyectil sin embargo me había entroncado con algo que también formaba parte de mi: un sentimiento atávico que pertenecía a mi pueblo, su historia y sus lágrimas.
Lorca es un escritor atávico. Es su mayor grandeza, a mi parecer, por encima de su ingenio y su más que cautivante elocuencia poética. Enfrentarme a la Casa de Bernarda Alba, me resulta tan inquietante como enfrentarme a esa bala de la Guerra Civil que sigo mencionando una y otra vez; y es que un pueblo se debe inevitablemente a su pasado, a sus asperezas, y no hay nada que se pueda hacer al respecto más que enfrentarlo.”

Gonzalo de Otaola

Autor: Gustavo Cormillón
Género / duración: Comedia negra – 65 minutos
Personajes: Una actriz y un actor, pareja joven.
Website:  Facebook Hasta que tu muerte nos separe
Estreno Viernes de Mayo y Junio, 23 hs, La Tertulia, Gallo 826

Una comedia negra con dos personajes muy especiales.

Ella quiere controlar el mundo… Él quiere exterminarlo… Ahora son una pareja encantadora… bueno, no tanto
“Se lo veía un muchacho tranquilo, amable, muy en sus cosas…
Lo que nos venimos a enterar ahora, nos sorprende a todos” (dijo una vecina de Osvaldo).
“Siempre supimos que ella era brava, pero nunca imaginamos semejante cosa que hizo.
Creo que empeoró cuando dejó de golpe la homeopatía” (dijo Sarita, la tía de Dana).
La policía encontró que tenían el libro “Supere todos los mandatos sociales para triunfar”.
Evidentemente se les fue la mano en la interpretación de esto y todo lo demás…
No apta para personas sensibles…eso se llama culpa o envidia…

Con:

Romina Bayal: en el papel de Dana, la mística – controladora

Gastón Urbano: como Osvaldo, un muchacho de barrio con deseos particulares

(Lógico: ambos se sienten plenamente identificados)

Dirige el disturbio:

Matias Canony

Asiste la locura:

Sofia Moreno Cagnolo, era una chica decente, era

Producción ejecutiva:

Tatiana D’Agate, se quiso hacer la controladora pero se la comió el personaje

VIERNES 23 hs TEATRO La TERTULIA, Gallo 826, CABA, reservas 6327-0303

Título: “CYRANO”
Autor: Rostand
Género / duración: Comedia para chicos y grandes – 55 minutos
Personajes: Seis actores, dos femeninos, cuatro masculinos.
Dirección: Claudio Chaffone
2011 – Gira y colegios   / 2010 Sala Terraza, Paseo La Plaza

Llega para chicos y grandes!

La historia del hombre de la larga nariz, enamorado de Roxana…

Una imaginativa adaptación de Cyrano que rescata el estilo y el espíritu de la Comedia dell’arte. Cuerpo y voz.

Poesía y movimiento. Teatro, color y risas…

Vení a disfrutar este mágico viaje al Siglo XVII.
Durante las vacaciones de invierno, se podrá ver en el Paseo La Plaza en el centro de Buenos Aires, esta imaginativa adaptación del clásico Cyrano de Rostand que rescata el estilo y el espíritu de la Comedia dell’arte. Cuerpo y voz. Imágenes, poesía y movimiento. El amor como fundamento y la espada como sostén. Dirección y actuación de Claudio Chaffone.

Cyrano es un cadete honrado, habilidoso, digno, temperamental, aparentemente indiferente a todo aquello que no fuera espadas y poesía… ama a su bella, dulce e inteligente prima Roxana, quien a su vez, ama a Cristian, cadete ingresante tan bello como torpe e inocente.

Cyrano se convierte en el mediador entre Roxana y Cristian, suponiendo afección hacia ambos y acallando el fuego del amor que por dentro le quema. Cyrano logra para Cristian el amor de Roxana y sus labios… Roxana, quien primero se enamora de Cristian por su belleza, embebida en las palabras dulces, las cartas, las canciones que recibe “supuestamente” de su enamorado -quien en realidad es asistido por Cyrano puesto quien arriesga todo por ella casi descubriendo el engaño- le confiesa a Cyrano que amaría igual a Cristian si este no fuera bello porque lo ama por su poesía, es decir, por la manera de expresar su amor…

Cyrano es un héroe romántico porque lleva su amor hasta el final a pesar de sus defectos físicos, porque es capaz de pelear con cien hombres para defender a un amigo, porque se enfrenta a quien sea si el honor está en juego.

Autor: Edmond Rostand

Dramaturgia: Claudio Chaffone / Carlos Bergaglio.

Elenco: Claudio Chaffone, Celeste Gentile, Gerardo Grillea, Carolina Frogley, Gina Mobilia

Escenografía y Vestuario: Ruth Correa

Realización de vestuario Nora Cervantes

Diseño sonoro: Gerard Clement, Claudio Chaffone

Diseño Grafico y fotos: Leandro Ciaffone

Asistente de dirección Marina Munilla

Producción Pablo Silva

Dirección General Claudio Chaffone

Título: “Se viene la foca”
Autor: Rodrigo Cárdenas
Género / duración: Comedia dramatica – 60 minutos
Personajes: Un masculino llegando a los 50 -la foca- y un femenino aprox 25.

Mayo, Junio 2010 Buenos Aires, Jueves 21 hs, Teatro LA CLAC, Av. Mayo 1156

“Se viene la foca”, sin dejar de lado el simple divertimento, es la obra que siempre quise escribir….porque atraviesa los tiempos en la vida un hombre…porque en un momento donde parecen haber entrado en el olvido algunas cuestiones esenciales, la obra propone revisar aquellos años sesenta y mitad de los setenta y los viejos- nuevos enfrentamientos y dicotomías entre una Argentina conservadora y un intento de Argentina un poco mas progresista pero con afanes revolucionarios.
La mirada por aquellos tiempos, obviamente, es la mirada de un chico de esa época.
Se viene la foca intenta hablar de una Argentina que mutó y mucho.
Se viene la foca también se adentra en el espacio del placer y la ilusión de aquellos años donde recuperábamos la democracia, reflejados en las inestables y disparatadas conductas del personaje y su entorno.
Se viene la foca también revisa las conductas de la inmoralidad de los 90, de la pérdida de “la palabra”, de la ausencia del honor y del todo vale.
Se viene la foca es simplemente la historia de un hombre con sus virtudes y defectos, con sus amores y desamores…pero por sobre todas las cosas es la historia de un Argentino al que no le pasa por alto ni su historia personal y mucho menos la historia de este bendito país.
Eso sí…Se viene la foca es también la historia del amor eterno entre un padre y su hija. Ese es inclaudicable, ese se diferencia de todo lo demás. Ese ,le da la razón a la vida del protagonista.
Eso es lo que intenté escribir, tal vez pretencioso…pero siempre apelando al humor como herramienta para tener mediatizada la llegada al espectador.
“Se viene la foca” es la llegada avasalladora de una realidad imposible de frenar, de ese animal simpático y monstruoso: el paso del tiempo…y nada mejor que los 50 años de un hombre para contar esta historia.

RODRIGO CÁRDENAS

Experto en teatro independiente.

Conversamos con uno de los mas prolíficos productores del teatro independiente, en Buenos Aires, luego de un intenso año de trabajo, prepara una nutrida agenda para el 2010.

Autor: Valeria Kamenet
Género / duración: Unipersonal humorístico – 80 minutos
Personajes: Una galeria de diferentes personajes, interpretados todos por una actriz.
Website www.humordazada.com.ar
TEATRO LA COMEDIA – Rodriguez Peña 1062 (y Santa Fe) – 2010 – JUEVES 2115 hs

Todos los jueves a las 21:15 hs.Valeria Kamenet presenta su espectáculo “Humordazada”, un unipersonal de humor poblado de creativos contrastes, centrado en la diversidad de la composición actoral para mostrar nuevas y conocidas caras de la ridiculez.

Diez personajes cuyos diferentes caracteres juegan con la realidad y la fantasía desde la sátira y el absurdo.
Un bastidor que hace las veces de puerta giratoria por la que se introducen los personajes es utilizado para los cambios de vestuario a la vista del público en proyección de sombra y oficia como mediador entre los sketches.
Así van apareciendo, una novia despechada que han dejado plantada en el altar; la inocencia de una niñita que convive con la mayor naturalidad con los órganos que trafican sus padres; un maestro de una escuela para barrabravas en el día de inscripción; una mujer que a modo de segmento televisivo “enseña a hablar con flores”; una dama de beneficencia; una idishe mame como ministra de salud y acción social transmitiendo un mensaje por cadena nacional; una embarazada de nueve meses que ignora su estado; una mujer que habla todo el tiempo con dichos y refranes; la presentación de una singular bailantera, con un numero a toda orquesta, y finalmente, una viejita ex bailarina que intenta revivir con su bastón su época de oro en el Colón.

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FICHA TÉCNICA:

- Actuación, texto y dirección: Valeria Kamenet

- Puesta en escena y Luces: Martín Wolf
- Escenografía: Martín Wolf
- Fotografía: Gianni Mestichelli
- Prensa: Silvina Pizarro
- Gráfica: Mercedes Aleman

- Producción ejecutiva: Pablo Silva

Título: “Fontanarrosa Concert”
Autor: Roberto Fontanarrosa
Género / duración: Comedia – 65 minutos
Personajes: Dos personajes masculinos, el Sordo y el Chino
Website: http://www.fontanarrosaconcert.com.ar

Mayo Quilmes

“De mí se dirá posiblemente que soy un escritor cómico, a lo sumo. Y será cierto. No me interesa demasiado la definición que se haga de mí. No aspiro al Nobel de Literatura. Yo me doy por muy bien pagado cuando alguien se me acerca y me dice: me cagué de risa con tu libro”
Roberto Fontanarrosa

“FONTANARROSA CONCERT” parte de cuatro magistrales cuentos de Fontanarrosa. Así Ella dijo, Uno nunca sabe, El mundo ha vivido equivocado y El sordo (más algunas apostillas de Note enloquesá y El centro va a venir desde la punta) toman forma teatral y expresan el mundo de algunos típicos personajes de café del querido autor rosarino. Soñadores, delirantes, traumados, tiernos, desopilantes, disparatados son estos dos seres que se sientan a la mesa de este Fontanarrosa Concert en el que la amistad y las innumerables situaciones que les despiertan las mujeres constituyen el eje temático principal.

Con Claudio Chaffone y Daniel Beniluz, dirección Pablo Silva.

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“Fontanarrosa Concert” reúne una sinfonía de seis historias de Roberto Fontanarrosa que se entrecruzan en el aire y rememoran esas viejas charlas del café en “El cairo”, que tanto júbilo dieron a la literatura. Lo que se impone es el oído de “alta fidelidad” de Fontanarrosa, para recoger el habla popular en tramas diversas. Así puede disfrutarse de las humorísticas melodías que -en formato teatral- nos hablan del pensamiento de la gente en los cafés, anécdotas plenas de amistad, compañerismo, sueños y amores.

Esta nueva versión, remixa sus grandes clásicos con otros no tan conocidos, en forma también de homenaje a uno de los grandes escritores de la Argentina.

Título: “Hija de la Dictadura Argentina”
Autor: Lucila Teste
Género / duración: Monólogo autobiográfico – 60 minutos
Personajes: Un femenino
Website: http://hijadeladictaduraargentina.blogspot.com/

NOMINADA PREMIOS ACE 2009 – MEJOR LABOR EN UNIPERSONAL – Lucila Teste
Buenos Aires, Argentina – Barcelona, España -

Lucila Teste tenía 8 meses de edad cuando, en el año 1976, secuestraron a sus padres.

Saber de dónde vengo. Buenos Aires. Alejarse para poder entenderlo. Barcelona. Encontrarme conmigo misma. Investigar, recordar. Buscar quién soy. Expresarlo con palabras, gestos y acciones. Componerlo y descomponerlo, una y otra vez. Tirarlo todo. Saber hacía donde voy. Empezar de nuevo. Reinventar las palabras, recomponer los gestos, volver a buscar las acciones. Ordenarlo todo.
Contar mi historia. Nada más.
Lucila Teste

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Ficha Técnica

Dramaturgia: Lucila Teste y Ariá Clotet; Texto e Interpretación: Lucila Teste; Videos: Theguti; Fotografía: Joan Séculi; Diseño de Luces: Conrado Parodi; Música: Gotan Proyect , que incluye el poema “Confianzas”, leído por Cecilia Roth; Diseño Gráfico: Julia Amaolo; Asistente de Producción: Silvina Teste / Tatiana D’Agate ;

Producción General: Pablo Silva; Dirección: Ariá Clotet

Sobre Lucila Teste

Actriz
Nacida en Buenos Aires, se forma en danza clásica y contemporánea. Luego estudia teatro con Andrea Garrote, Adrián Porcel de Peralta y Angeles González. En el año 2000 se traslada a Barcelona. Se diploma en el “Col.legi de Teatre de Barcelona”. Amplia sus estudios de danza contemporánea con Gema Díaz, Carles Salas, Claudia Moreso y Cecilia Colacrai. También estudia tango con Andrea Ponzetti y Jorge Udrisard, y clown con Merche Ochoa, Alex Navarro y Carolina Dream.

Es miembro de la “Asociación de Actores y Directores profesionales de Catalunya”, de la Asociación de mujeres creadoras “Projecte Vaca”; miembro – fundadora de la Compañía Entropía Zero, donde participa como actriz y creadora de obras (tales como “Pimera part: Adiccions”; “Expresamientos o el més calent és a l’aigüera” y “Re-presión”); y desde el año 2006 es miembro de la organización  del ciclo de teatro “Teatro x la Identidad Catalunya”, donde participó con sus dos obras “Hija” y “Re-presión”.

En el año 2004 estrenó su monólogo autobiográfico “Hija de la dictadura argentina”.

Con la Asociación Projecte Vaca participó en la performance “The Acts III”, con dirección de Jill Greenhalgh y en “Transformación XY”, con dirección de Silvia Ferrando. En el año 2008 estuvo a cargo de la dirección del monólogo “Una estirpe de Petisas”, de Patricia Zangaro.

Sobre Ariá Clotet

Director
Natural de Barcelona, se transforma en actor de la mano de Peter Gadish. Estudió energía, imaginación, esfinters y clown; y se perfeccionó con los siguientes maestros: Txiqui Berraondo, Merche Ochoa y Núria Catalá. Actualmente realiza Aikido con el maestro Jordi Calvet.

Se diploma en el “Col.legi de Teatre de Barcelona” (Años 1999 – 2002) donde trabaja con directores tales como Mercé Lleixa, Pep Pla, Lluís Elías y Ferrán Audí.

Es miembro fundador de la “Asociación de Actores y directores profesionales de Catalunya”, fue miembro-fundador de la desaparecida compañía Argonteatre.

Participa en “Gitana en Barcelona”, de Maria Stojanova. En TXI ha presentado el Monólogo “Manos Grandes”, de Mariana Eva Pérez. Trabaja, a su vez, en la obra “Los mesías”, con dirección general de David Grimberg. Con la Cía. Sgrata participa en la obra “Tot és posible”, con dirección general de Lluís Elíes.

Autor: Kado Kostzer y Sergio Garcia Ramirez
Género / duración: Comedia con canciones – 85 minutos
Personajes: Dos actores maduros, un hombre y una mujer, una pareja de jóvenes cantantes, y dos músicos en vivo.
Website: www.lahoraitaliana.blogspot.com
TEATRO CARAS Y CARETAS -Venezuela 330, CABA- 2009

Comedia con canciones, tiene como eje central la emisión de un programa de radio en el que situaciones tragicomicas se cruzan con la interpretación en vivo del amplio y bello repertorio de las canciones italianas de San Remo de todos los tiempos.

Wanda y Loris, dos conductores unidos mientras se emite el programa pero acérrimos enemigos cuando se apaga el letrero de “en el aire”, son la pareja ideal para todos sus seguidores.

Una joven cantante (que parece poseer una doble personalidad) y Mauricio, un fóbico animador de fiestas judías, son los interpretes del repertorio .

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Los personajes :

Ana María Caso – Wanda

Julio Lopez – Loris

la presentacion de la cantante Paula Castignola -Silvana

Ramiro Moreno Hueyo – Mauricio

y los musicos en vivo Augusto Iacono -teclados- y Julio Vita -guitarra-

Contacto Prensa Debora Parodi – Fernando Chamot Tel 153 607 3329

El director:

Kado Kostzer (Autor y Director)

Residió y trabajó en Buenos Aires, Madrid, Barcelona, Londres, México, Nueva York y, principalmente, en París.

Sus comienzos teatrales, como actor, tuvieron lugar, en el ya legendario Instituto Di Tella. Más tarde incursionó en la dramaturgia (Famille d’artistes, Trio, Sortilèges, God Save the Queen…) y en la de dirección (El Cuarto de Huéspedes, Táibele y su Demonio, Ojos de Tinta, Sardinas Ahumadas, Nocturne for Lovers, Aquellas Blancas Palomitas, Un amour qui attend la mort, La putain respectueuse, Marlene, Cloro…) Como régisseur debutó con El Empresario de Mozart.

Junto a Sergio García-Ramírez ha creado los espectáculos musicales Talismán y Loca por Lara, así mismo son fundadores de la Cooperativa Argentina de Comedias Clásicas destinada a recrear textos de los siglos XV, XVI, XVII, XVIII y XIX: (La Fierecilla Domada, El Enfermo Imaginario…) La tarea de Kostzer como autor y/o director es conocida en más de 40 países de Europa y América.

Tanto en el país como en el extranjero ha sido acreedor de innumerables premios y distinciones: ACE, Florencio Sánchez, Lugné-Poe de la Société des Auteurs de Francia, Heraldo de México, Estrella de Mar, Diosa de Plata de México, Nexo

Autor: Humberto Robles
Género / duración: Drama – 60 minutos
Personajes: Un personaje femenino, edad mediana.
Website: www.geocities.com/vivalavida_fridakahlo/
Montevideo, Uruguay Agosto 2009 – ESTRENO BUENOS AIRES – Febrero 2010 -

Frida Kahlo, Viva la vida! de Humberto Robles, con Adriana do Reis, y dirección de Daniel Torres.

Esta obra obtuvo el premio como Mejor Iniciación Dramatica de la APT (Asociación Periodistas Teatrales) Mexico, Año 2002.

Adriana do Reis fue nominada como Mejor Actriz al Premio Florencio 2005, Uruguay.

Esta obra fue ganadora de los Fondos Concursables 2007, Uruguay.

Participó en el Festival de Unipersonales, uruguay, 2006.

La obra transcurre en un día durante el cual Frida recordará aspectos, acontecimientos y personas que Frida conoció durante toda su vida, para nosotros, ese es su último día de vida en el plano terrenal.

La puesta sugiere que la muerte no es un fin sino un nuevo comienzo. Frida pasará de un principio en el cual solo se mueve con baston y silla de ruedas, a un final en el que baila con la muerte, brindando por la vida por encima de todo. Una mujer que mas que a nada ni nadie, amaba la vida.

En el monólogo de Robles esta la escencia de Frida, la verdadera Frida.

“Pies pa´que los quiero si tengo alas para volar”  un espirití libre que vivió de acuerdo a sus reglas sin permitirse ser condicionada por nada ni por nadie.

Su obra fue su forma de exorcisar todos sus miedos, angustias y dolores, reirse de ella misma y de las cosas que le sucedían.